Un glossario di storia dell'arte per artisti
Qualsiasi artista visivo sa di non dover dire una parola quando si tratta di descrivere la propria arte. Certo, lascia che l'arte parli da sola. Ma non fa male avere un glossario di termini artistici che potrebbero essere applicati a qualsiasi dato pezzo d'arte. Ecco perché abbiamo compilato un glossario di storia dell'arte del vocabolario da usare per descrivere l'arte. Sarà utile quando sei al museo o guardi l'ultimo documentario d'arte o descrivi i tuoi dipinti e disegni.
Astrazione
Conosciuta anche come arte non rappresentativa o non oggettiva. Il periodo di massimo splendore dell'astrazione era l'inizio del XX secolo e gli artisti che impiegano l'astrazione allontanano le forme visive dal mondo "reale" attraverso la semplificazione, la stilizzazione o la distillazione delle forme. Il linguaggio dell'astrazione è il linguaggio del colore, della trama, del gesto, della linea e della scala per citarne alcuni. Artisti come Jackson Pollock hanno caratterizzato il movimento artistico espressionista astratto.
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Alla prima
Un termine italiano tradotto direttamente come "al primo tentativo", ma nel mondo dell'arte è noto come una tecnica di pittura ad olio in cui l'artista dipinge in una volta o bagnato su bagnato. La tecnica richiede che l'artista lavori velocemente e con decisione prima che la vernice superficiale si asciughi. Chiamato anche pittura diretta e risultati tendono ad essere descritti come audaci, espressivi e pittorici.
Allegoria
In letteratura, un'allegoria è una metafora estesa in cui le idee astratte, spesso legate al significato morale o politico, sono trasmesse attraverso il linguaggio e la narrazione. Nell'arte, un'allegoria viene trasmessa attraverso le immagini e le immagini assumono un significato simbolico. Ad esempio, la Primavera di Sandro Botticelli è un dipinto allegorico sull'arrivo della primavera e il passare del tempo. È interessante notare che molti artisti tra cui Jan Vermeer e Artemisia Gentileschi hanno dipinto allegorie della pittura, estese metafore sulla natura, preoccupazioni e influenzatori degli artisti e del loro lavoro.
appropriazione
L'atto di prendere, in questo caso, opere di un altro artista e metterle in un nuovo contesto. Di solito ciò avviene senza il permesso della persona da cui è nata l'idea originale. Il risultato è la ricontestualizzazione dell'opera "vecchia" e la creazione di un'opera d'arte "nuova". Artisti e avvocati contestano il punto in cui viene tracciata la linea di appropriazione ammissibile, ma di solito viene considerata un'appropriazione completa mentre la citazione o il riff di un'opera è accettabile nel mondo dell'arte e risale a secoli fa.
Avanguardia
Un termine francese che significa "guardia avanzata". È un termine che può essere applicato ad artisti e opere d'arte, nonché ai movimenti artistici nel loro insieme. Di solito è una frase stand-in per l'arte che è sperimentale, insolita e lungimirante.
pennellata
Se stai guardando un dipinto, probabilmente stai guardando un oggetto realizzato con l'uso di un pennello. Esiste una varietà di tecniche di pennello che gli artisti hanno usato e si sono evoluti nel corso dei secoli al fine di gestire e applicare la vernice, tra cui lo scumbling, il trascinamento e la punteggiatura, tra gli altri. Si riferisce anche alla dimensione, forma e consistenza dei tratti.
Chiaroscuro
Un termine italiano che significa "chiaro-scuro" e di solito viene applicato quando c'è un forte, drammatico contrasto di luce e buio in un dipinto o disegno. Gli artisti usano il chiaroscuro per creare un convincente senso di volume e dimensionalità nelle loro opere. La fotografia può essere descritta con il termine ma si rifà originariamente a Rinascimenti e alle opere di Caravaggio, Rembrandt e Leonardo da Vinci.
Crocifissione di San Pietro di Caravaggio
Teoria del colore
Gli artisti per secoli hanno organizzato, riorganizzato e stabilito regole sulla percezione e la miscelazione dei colori. Ai giorni nostri, agli studenti di arte viene insegnata la ruota dei colori; colori primari, secondari e terziari; e relazioni di colore o effetti visivi di combinazioni di colori.
Composizione
Il termine si applica ampiamente a come sono disposti gli elementi di un'opera d'arte. Alcune strategie compositive esistono da centinaia di anni come la Golden Mean e la Rule of Thirds.
contrapposto
Un termine italiano che significa contrappunto e descrive quando il peso di una figura umana è più bilanciato su una gamba rispetto all'altra, provocando spalle e braccia fuori asse rispetto a fianchi e gambe. La posizione è più famosa nella scultura e risale all'età classica.
Il contrapposto di Donatellos in bronzo di David chiaramente mostrato in queste tre viste della scultura.
Distorsione
Nella pittura e nel disegno, la distorsione significa cambiare l'aspetto visivo di una figura o di un oggetto: tirare, torcere, allungare e cambiare qualcosa a scopo espressivo.
Arte figurativa
Di solito questo è un termine per lo più applicato a dipinti o sculture. In particolare, significa che l'opera è rappresentativa, in contrasto con l'arte astratta.
Genere
Un termine con un retroscena confuso nelle arti visive. Storicamente significava un dipinto di una o più persone in situazioni quotidiane che non venivano semplicemente identificate. Comprende anche la pittura di nature morte, la pittura di animali e la pittura di paesaggio e marina.
vetri
I primi maestri come Rembrandt hanno applicato più strati di vernice trasparente per produrre le tonalità profonde e luminose e le tenebre che sono venute a caratterizzare il loro lavoro, secondo l'autore Michael Wilcox del libro di tecniche di pittura più venduto, Glazing. Secondo Wilcox, gli oscuri ribollivano di colore nascosto. La gamma di tonalità ricche impiegate da questi pittori precedenti ha dato una profondità e un'intensità misteriose al loro lavoro, una ricchezza e una luminosità che solo le tecniche di smaltatura possono dare.
Impressionismo
L'impressionismo era il movimento artistico del XIX secolo noto per gli artisti che producevano dipinti che rappresentavano scene di tutti i giorni, dipinti con pennellate piccole ma visibili, con un'enfasi sull'accurata rappresentazione della luce e sulla sua natura mutevole.
Impressione, soleil levant di Claude Monet
Tecnica mista
Un'opera d'arte in cui sono stati incorporati più supporti o materiali è descritta come tecnica mista. Assemblage e collage sono forme d'arte miste popolari.
Motivo
Un motivo è un elemento, un motivo o un disegno in un'opera d'arte che viene spesso usato ripetutamente. Un artista può anche usare un motivo più e più volte in un corpo di lavoro e anche per tutta la sua carriera.
narrazione
In sostanza, la narrazione è narrazione visiva. Nella pittura e nel disegno, le immagini sono statiche, quindi nel tempo gli artisti hanno escogitato strategie per affrontare quella realtà, dalla rappresentazione di scene singole di una storia a scene multiple (in cui i personaggi appaiono più di una volta) o una panoramica, in cui più eventi si svolgono in un'unica scena.
Prospettiva
Esistono due tipi principali di strategie prospettiche per rendere le forme bidimensionali tridimensionali. La prospettiva lineare trasmette l'illusione dello spazio con linee parallele sfuggenti che si incontrano in un punto di fuga. La prospettiva atmosferica affronta la distanza modificando le tonalità di colore e il livello di dettaglio impiegato per dipingere o disegnare un oggetto.
fotorealismo
Il genere o movimento artistico che comprende pittura e disegno che riproducono le immagini nel modo più realistico possibile. Questo è anche il termine per un gruppo di artisti americani che hanno dipinto in questo modo negli anni '60 e '70 tra cui Chuck Close.
all'aria aperta
L'atto di dipingere all'aperto nella città o nel paesaggio invece di creare arte in uno studio. È un termine francese e molto rilevante per il lavoro degli artisti della Barbizon School, della Hudson River School e degli impressionisti. Oggi, molti artisti contemporanei si identificano come pittori plein air, artisti che dipingono principalmente o esclusivamente all'aperto.
Artisti che disegnavano sulle White Mountains di Winslow Homer
Proporzione
La relazione con la dimensione tra un elemento e un altro o tra un elemento e un'intera opera. Per realizzare un'opera più realistica, è necessario rispettare alcune gamme di proporzioni che sono state codificate, il che significa che ci sono regole là fuori (che risalgono a Durer) che un artista può imparare. Giocare con o modificare le proporzioni consente a un artista di allontanarsi dal realismo in un territorio più espressivo.
Realismo
Spesso chiamato anche naturalismo. In generale, questo è il tentativo di un artista visivo di tentare di rappresentare realisticamente persone, luoghi e oggetti. Ciò significa evitare la stilizzazione e l'artificialità.
Scala
Le dimensioni degli oggetti o degli oggetti rappresentati in relazione tra loro. Le dimensioni influiscono sul significato e sull'espressione. Gli artisti useranno la scala per trasmettere importanza o significato. Prendi in considerazione le miniature in contrasto con oggetti a grandezza naturale o a grandezza naturale.
sfumato
Una tecnica pittorica che descrive la morbida transizione tra i colori. La Gioconda, probabilmente il dipinto più famoso di tutti i tempi, è un esempio chiave di sfumato, che deriva dalla parola italiana per fumo. Leonardo da Vinci lo descrisse come: "senza linee o bordi, alla maniera del fumo o al di là del piano di messa a fuoco". In inglese, ha assunto significato bordi e linee ammorbiditi o sfocati quando applicato alle opere d'arte.
Simbolismo
I simboli possono essere personali ma storicamente si riferiscono a riferimenti ampiamente accettati e compresi. Nella pittura o nel disegno, questo viene applicato a riferimenti visivi, di solito oggetti che rappresentano idee o significati. I simboli possono essere religiosi, politici o culturali. Alcuni artisti contemporanei operano solo all'interno dei limiti dei simboli che spesso si creano da soli - i loro linguaggi visivi per così dire. Quando un'opera d'arte riguarda interamente o principalmente la conversazione che si svolge tra simboli, il risultato è un'allegoria.
Struttura
Nella pittura, ci sono molti modi in cui la trama può ed è stata manipolata. Gli artisti storici europei hanno creato dipinti con superfici vetrose e senza trama. I pittori moderni hanno abbracciato la trama, sia permettendo alla vernice di penetrare in una superficie o accumularsi su di essa. L'impasto è il processo o la tecnica di applicare densamente la vernice su una superficie.
Tema
Un'idea generale che trasmette un'opera d'arte o un insieme di opere. Un artista può trasmettere un tema in molti modi - con il simbolismo, con scala e proporzione, con aspetti formali della loro ricerca come colore, linea e trama.
Inganna l'occhio
Il tradimento delle immagini davvero! Questo è un termine francese per "ingannare l'occhio" e viene applicato alle tecniche pittoriche impiegate per creare un'illusione ottica della realtà, usando tecniche e dispositivi prospettici come rompere il piano dell'immagine - quindi un oggetto sembra sporgere dalla superficie di un dipinto.
Il tradimento delle immagini di René Magritte
underpainting
La tecnica pittorica per creare una versione monocromatica di un'immagine e poi lasciarla asciugare. Quindi un artista utilizza strati di vernice trasparenti e semitrasparenti noti come smalti per continuare la pittura, consentendo nel contempo a parti di pittura di sbirciare attraverso, aumentando l'illusione della profondità di un dipinto.