Quattro celebri pittori hanno usato i principi della musica per migliorare la composizione e il colore
Qualsiasi bravo artista che è anche un musicista attesterà che i mondi della pittura e della musica condividono una ricchezza di elementi comuni. Due dialetti di una lingua, queste forme d'arte separate hanno influenzato e mutuato a lungo l'una dall'altra, e le loro terminologie intercambiabili - composizione, colore, scala cromatica, tonalità e ritmo, per citarne alcuni - rivelano quanto familiare sia la loro connessione.
Al di là dei termini legati alla teoria, tuttavia, l'arte visiva e la musica condividono anche la capacità di trasmettere umore, movimento ed emozione, suscitando in tal modo una forte risposta viscerale da parte dello spettatore. Inoltre, proprio come i musicisti e i cantanti sanno quando sono in sintonia, così anche gli artisti visivi possono percepire quando hanno raggiunto un armonico "accordo", e la composizione e il colore cantano.
INGRES JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE
Numerosi pittori nel corso della storia, in particolare quelli che hanno contribuito a plasmare il modernismo, sono stati fortemente influenzati dalla musica e dalla musicalità. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867), un neoclassicista francese le cui frequenti interruzioni con la tradizione e l'esagerazione delle forme in seguito hanno ispirato artisti del calibro di Pablo Picasso e Henri Matisse, ha anche suonato il secondo violino nell'Orchestre du Capitole de Toulouse mentre era studente.
Nel corso della sua carriera, la conoscenza in evoluzione dell'artista della struttura musicale ha notevolmente influenzato il suo sviluppo e le sue teorie come disegnatore, pittore e insegnante. Le sue conversazioni e collaborazioni con i compositori Charles Gounod (1818-1893) e Franz Liszt (1811-1886) furono particolarmente influenti, e Ingres era noto per aver fatto frequenti analogie con la musica mentre insegnava all'Accademia di Francia a Roma e all'École des Beaux-Arts in Parigi.
"Se potessi creare musicisti di tutti voi, trareste quindi profitto come pittori", ha detto ai suoi studenti. “Tutto in natura è armonia; un po 'troppo, o troppo poco, disturba la scala e fa una nota falsa. … La giustezza delle forme è come la giustezza dei suoni."
JAMES MCNEILL WHISTLER
James McNeill Whistler (1834–1903) non era estraneo alla sinergia tra arte e musica. A metà del 1860, iniziò a intitolare i suoi dipinti con termini musicali come sinfonia, arrangiamento e notturno, facendo riferimento alla correlazione tra le variazioni del tono musicale e le variazioni del valore del colore.
A differenza di Ingres, che ha sottolineato l'armonia della natura, Whistler ha offerto un'alternativa al naturalismo. Stava sperimentando una tecnica compositiva basata sulle possibilità della pittura stessa e sulle qualità astratte del piano dell'immagine.
Ha illustrato questi e altri punti usando metafore musicali nella sua famosa lezione di Ten O'Clock, i cui principi erano alla base dei prossimi movimenti post-impressionisti e astratti. "La natura contiene gli elementi, nel colore e nella forma, di tutte le immagini, poiché la tastiera contiene le note di tutta la musica", ha detto Whistler. “Ma l'artista è nato per raccogliere e scegliere, e raggruppare con la scienza (conoscenza), questi elementi, affinché il risultato possa essere bello - mentre il musicista raccoglie le sue note e forma i suoi accordi, fino a quando non produce dal caos un'armonia gloriosa.”
Se Ingres aveva Liszt e Gounod come fratelli nella composizione, Whistler ebbe il rispetto di Claude Debussy (1862-1918), come rivelato quando Debussy debuttò la sua composizione orchestrale del 1899 Nocturnes, ispirata ai successivi dipinti di Whistler.
WASSILY KANDINSKY
All'inizio del Modernismo e della teoria del colore d'avanguardia, la musica non si limitava a informare la pittura. Wassily Kandinsky (1866–1944) e Paul Klee (1879–1940), in particolare, furono così influenzati dalla musica che si potrebbero definire compositori che usavano il colore per creare la loro musica piuttosto che pittori ispirati alla musicalità.
Kandinsky credeva che la pittura astratta fosse il modo migliore per replicare il potere melodico, spirituale e poetico che si trova nella musica. Ha trascorso la sua carriera applicando i principi sinfonici della musica alla disposizione delle note e degli accordi di colore.
È stato particolarmente ispirato dal sincronismo - un movimento basato sull'idea che il colore e il suono siano fenomeni simili - e il compositore Arnold Schoenberg (1874-1951), con il quale ha stretto amicizia e collaborato per assegnare colori a determinate note musicali. Nella sua pubblicazione del 1911 Concerning the Spiritual in Art, Kandinsky affermò che "la musica è il maestro supremo" e spiegò ulteriormente le idee di sinestesia, la fusione di due sensi - in questo caso, suono e vista.
PAOLO KLEE
Se Whistler ha fatto una svolta evidente dal naturalismo basato sulle improvvisazioni della musica, e se Kandinsky ha lavorato sulla struttura del suono per creare vibrazioni e frequenze visive simili, Paul Klee (come Ingres, un violinista esperto) ha fatto un ulteriore passo avanti nel suo sviluppo di due principali teorie del colore: la Canon della totalità del colore e la pittura polifonica (molte voci).
Klee considerava i compositori del 18 ° secolo come Mozart e Bach come l'apice del successo musicale. Sentiva che i compositori del suo tempo - Bruckner, Wagner e, in particolare, Strauss - apparivano solo più espressivi in superficie ma erano in realtà incatenati alla melodia e al metro della loro stessa musica.
Questa affermazione divenne il punto di partenza della sua missione lunga carriera di decostruire la musica dell'età dell'oro e applicarla alla pittura, dando così agli artisti un maggiore potere espressivo. La sua teoria sul colore della tonalità, sviluppata durante l'insegnamento al Bauhaus, ha esaminato la relazione e il movimento tra i colori, come il movimento circolare tra i colori primari e secondari.
I suoi dipinti che esemplificarono la sua teoria polifonica guardarono come il suono di un dipinto cambiò in base al numero di elementi e dispositivi stilistici impiegati. Nelle sue teorie, Klee ha affermato che il ritmo segna il movimento del tempo sia nella musica che nell'arte.
"Sono costantemente informato dei parallelismi tra musica e belle arti", ha scritto Klee. “È certo che entrambe le forme d'arte sono definite dal tempo. Questo può essere facilmente dimostrato."
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