Edvard Munch - Vedendo solo l'essenziale
Edvard Munch visse fino a 80 anni (1863-1944), più che abbastanza tempo per affermarsi come un artista grande e influente. Ha colmato i principali movimenti del simbolismo del XIX secolo e dell'espressionismo del XX secolo.
In un catalogo della mostra per questo grande artista norvegese, l'autore Karl Ove Knausgård si chiede cosa sarebbe successo se Munch “per un motivo o per l'altro, avesse smesso di dipingere a 22 anni”. Non è una premessa del tutto frivola.
Siamo abituati allo scoppio prematuro dei giovani ribelli nella pittura; Caravaggio, Vincent van Gogh, Egon Schiele, Jackson Pollock e Jean-Michel Basquiat sostengono la mitologia del rivoluzionario morto troppo giovane. Munch, che aveva doni precoci e provocò polemiche quasi all'inizio della sua carriera, fu preparato per seguire quella sceneggiatura.
Era suscettibile ai pensieri di suicidio in gioventù. E una volta scrisse nel suo diario: "Gli angeli della paura, del dolore e della morte sono rimasti al mio fianco dal giorno in cui sono nato."
Queste ansie hanno informato e soffocato il lavoro di Munch nei suoi primi anni - così come il suo continuo ritorno a temi particolari, rielaborando e riverniciando i motivi preferiti fino alla vecchiaia. Sono stati anche oggetto di una mostra "Munch: Between the Clock and the Bed", in mostra al Met Breuer di New York City.
Un'eredità spaventosa
Le circostanze della prima infanzia di Edvard Munch furono tristi. La pittura era il veicolo con cui cercava di dare un senso alle cose. Nacque a Løten, in Norvegia, nel 1863, e crebbe a Kristiania (ora Oslo).
La giovinezza di Munch è stata contrassegnata dalla tragedia. Sia sua madre che la sua sorella preferita sono morte di tubercolosi e ad un'altra sorella è stata diagnosticata una malattia mentale. Era spesso malato, soggetto a attacchi di febbre e bronchite. "Ho ereditato due dei più spaventosi nemici dell'umanità", ha scritto in seguito Munch, "l'eredità del consumo e della follia".
Da adolescente, Munch ha dimostrato di essere un abile pittore di paesaggi. Era in gran parte autodidatta. Ma ha ricevuto istruzioni e supporto da alcuni dei più importanti artisti norvegesi, tra cui Frits Thaulow e Christian Krohg. Le prime opere figurative di Munch sono naturalistiche, dipinte con impasto denso e ruvido in un modo che sembra simpatico a quello di Krohg.
Uno dei primi sostenitori di Munch, Krohg una volta osservò: “Dipinge, o meglio considera, le cose in un modo diverso da quello di altri artisti. Vede solo l'essenziale, e questo, naturalmente, è tutto ciò che dipinge. Per questo motivo, le foto di Munch sono di regola "non complete", poiché le persone sono così felici di scoprire da sole. Oh sì, sono completi. Il suo lavoro completo."
Soul Paintings
Munch ha sperimentato stili impressionisti e post-impressionisti. Si trasferì a Parigi, dove divenne un allievo poco entusiasta di Léon Bonnat. Da lì ha viaggiato a Berlino, facendo amicizia con artisti e intellettuali.
Espone spesso, i suoi lavori vengono ricevuti in un modo che ora chiameremmo "polarizzato". Quando Munch espose The Sick Child nel 1886, un dipinto che considerava una svolta (l'omonima tela esposta alla mostra Met, di seguito, è una copia successiva), la reazione critica è stata ostile.
La scena, che ricorda la morte di sua sorella, è tenera e morbosa nei sentimenti. Ma ciò che ha scioccato il pubblico è stata la sua mancanza di finiture tradizionali. Lo chiamò la sua prima "pittura dell'anima", un rifiuto degli stili di allora a favore di un approccio completamente personale. Il suo insegnante, Krohg, aveva guardato all'esterno, dipingendo figure nel contesto del realismo sociale. Munch si guardò dentro in modo che tutti i suoi soggetti, siano essi figure o paesaggi, riflettessero uno stato psicologico.
The Rise to Fame
Nel 1892 Munch espose 55 dipinti alla Society of Artists di Berlino. La reazione fu di nuovo violenta. La mostra si concluse presto e la società si divise alla fine portando alla Secessione di Berlino (un'associazione di artisti, fondata nel 1898 sotto la guida di Max Lieberman; i secessionisti sostenevano le tendenze moderniste in opposizione ai tradizionalisti dell'Associazione statale degli artisti di Berlino).
Munch era famoso. Quell'anno dipinse Sick Mood at Sunset: Despair, un'iniziale incursione nell'idea che si sarebbe cristallizzata l'anno successivo con la sua immagine più famosa, The Scream.
Il realismo pesantemente lavorato dei suoi dipinti precedenti aveva ormai lasciato il posto a un'applicazione fluida del pigmento che suggerisce un ambiente onirico. E sebbene il cielo rosso fosse basato su una serata che Munch aveva visto, sembra più evocativo di uno stato emotivo che descrittivo degli effetti atmosferici.
Il fregio della vita
Durante questo periodo nei primi anni del 1890, Munch iniziò a lavorare su una serie di dipinti raffiguranti temi di amore, ansia e morte, intitolati Frieze of Life (The Scream inizialmente era destinato a appartenere a questo gruppo). Nel corso dei prossimi anni, ha prodotto 22 tele per la serie, molte delle quali sono tra i suoi dipinti più importanti.
L'opera culminante è stata La danza della vita, una scena che si svolge in una notte d'estate al mare, una luna nascente che lancia il suo riflesso monolitico sull'acqua. Il tableau in primo piano è dominato da una coppia che balla al centro. L'abito rosso della donna è avvolto intorno alle gambe del suo partner. A sinistra, una giovane donna sorridente si fa avanti per cogliere un fiore. E a destra, una donna anziana si ritira sconsolata.
Romanticismo, lussuria e isolamento sono recitati in un disegno ritmico che suggerisce l'influenza dell'Art Nouveau. Sebbene il soggetto abbia implicazioni universali, nel suo diario Munch notò che i personaggi si riferivano alle sue esperienze romantiche, spesso travagliate.
Norvegia e Notturni
Per Munch, il paesaggio della sua nativa Norvegia era intriso di forza emotiva, anche in assenza di presenza umana. Offriva anche temi, trasmessi in dipinti come The Scream e The Dance of Life, che interessavano così tanto l'artista che li ha rivisitati nel corso della sua vita.
Tra i suoi numerosi notturni, Munch dipinse la sua prima opera intitolata Notte stellata nel 1893. E tornò sull'argomento 30 anni dopo. La scena del lavoro iniziale è di solitudine; illuminato solo dalla luce delle stelle, è ridotto a poche forme essenziali e piuttosto minacciose.
La Notte stellata del 1922–24, con il suo piano ondulato e le stelle pulsanti, è una scena molto più vivace e colorata. Forme di terra innevate si alternano tra l'ombra profonda e la luce artificiale creata dagli edifici di Oslo. Queste qualità esemplificano la direzione del lavoro successivo di Munch: ancora forte nel design e nell'esecuzione ma più libera, più colorata e meno incline ai tragici temi della sua giovinezza.
Autoritratti
Che si tratti di dipingere i drammi della vita umana o il paesaggio intorno a Oslo, il lavoro di Munch è sempre stato senza riserve auto-rivelante. Dal momento che l'arte è sia un modo di comunicare con gli altri sia un mezzo di autocoscienza, è logico che l'autoritratto avrebbe un ruolo significativo nell'opera di Munch.
Nella mostra al Met, quasi un terzo dei dipinti erano letterali autoritratti (al contrario delle molte opere per le quali l'artista utilizzava surrogati - come quando un attore scivola in un personaggio - per esprimere i suoi pensieri). Il primo in mostra risale al 1886, con il giovane Munch che lancia uno sguardo laterale attraverso uno schermo di pigmento raschiato.
Il prossimo autoritratto intitolato Autoritratto con sigaretta - se uno scontasse The Scream come auto-rappresentazione simbolica - risale al 1895 e raffigura l'artista illuminato dal basso, con indosso un abito e brandendo una sigaretta accesa. Lo stile è insolitamente naturalistico ma non meno inquietante del volgare simbolista che aveva inventato.
Munch si trova in un vuoto di oscurità e si guarda allo specchio con apprensione esistenziale. La vernice viene applicata in ampi e sottili lavaggi di blu, nero e viola su tutta la superficie della tela, ad eccezione della testa e delle mani, che sono disegnate con cura squisita.
Autosviluppo
Gli autoritratti di Munch tracciano l'arco del suo progresso come artista mentre tracciano il suo sviluppo fisico ed emotivo. In The Night Wanderer, dipinto a 60 anni, Munch non è meno irto dei ritratti giovanili. Ma l'auto-drammatizzazione è crollata e lo spazio interno è comprensibile.
Venti anni prima si era dipinto a petto nudo contro un muro rosso e aveva intitolato l'opera Autoritratto all'inferno. Ora indossa un cappotto e si piegò in avanti con l'età.
Negli autoritratti successivi, come se fosse ambientato in un ambiente terreno, Munch occupa sempre più gli spazi prosaici della sua casa. Uno dei suoi ultimi dipinti, realizzato a 80 anni, è Autoritratto: tra l'orologio e il letto - l'opera da cui prende il nome la mostra del Met.
Munch si trova sulla porta aperta della sua camera da letto, affiancato dai mobili del titolo. Piccolo nel contesto della sua casa, ci affronta senza gesto. Ha una lunga postura.
L'artista aveva raggiunto la conclusione di una vita produttiva. Il riconoscimento internazionale era suo, eppure scelse di passare gli anni successivi da solo, dipingendo.
Espressione dell'intensità della perdita
Se Edvard Munch non avesse più dipinto dopo il suo primo lavoro interamente personale, sarebbe stato ricordato come una curiosità intrigante. Ciò che ha continuato a produrre durante i suoi 20 e 30 anni è stato sorprendente per la sua cruda onestà. Qualche artista prima di lui aveva decompresso la tragedia della perdita personale per una valutazione pubblica aperta, e tanto meno fatto con tale intelligenza visiva?
Munch si separò dal Simbolismo e dall'Art Nouveau in quanto i suoi doni di design e colore non venivano usati al servizio di idee astratte distanti o per raccontare storie su altre persone, ma per comprendere e comunicare l'intensità della perdita nella propria vita. Ha pizzicato un accordo che era incipiente nella pittura del Nord Europa almeno fino a Dürer. E l'ha suonato ad alto volume.
Invecchiando, il tono di Munch si attenuò. Ma il suo volume - l'imperativo che sentiva di esprimere nella pittura pensieri che fino a quel momento erano stati sussurrati - era senza sosta.