Nota del redattore: Richard McKinley è noto per i suoi bellissimi paesaggi e la ricchezza di informazioni che ha condiviso nella sua rubrica Pastel Pointers del Pastel Journal e nei suoi seminari video di ArtistsNetworkTV (guarda i suoi seminari d'arte qui!). Richard spesso condivide i suoi consigli per dipingere per lavorare all'aria aperta, creando una composizione piacevole e bilanciando il colore. Godere! ~ Cherie
Utilizzando gli elementi di design per dipinti più forti di Richard McKinley
Che si tratti di natura morta, ritratto o paesaggio, non esiste materiale di riferimento in grado di sostituire l'esperienza dell'interpretazione degli argomenti uno a uno. Sebbene non sia mai facile passare dalla pittura dal riferimento fotografico alla pittura dalla vita, ci vuole una concentrazione speciale per farlo nel paesaggio con l'illuminazione e le condizioni in continua evoluzione. Questo, insieme all'enorme vastità del paesaggio, può ostacolare anche il pittore tecnicamente più avanzato.
Durante molti anni di lavoro sia in studio che in location sia a pastello che a olio, ho sviluppato una tecnica che io chiamo "pittura di schizzo sul campo". Richiede un certo grado di disciplina e mi permette di lavorare in modo conciso. Posso rimanere concentrato su ciò che è più importante per un esito positivo della pittura di paesaggi: le grandi forme della composizione, le masse di valore e le temperature di colore. Tecniche di pittura più elaborate vengono salvate per visite ripetute in luoghi familiari.
La prima fase della pittura di schizzi sul campo inizia con una serie di schizzi in miniatura in un quaderno per sviluppare un forte concetto compositivo. Una volta che sono soddisfatto di un disegno compositivo, descrivo altri tre schizzi in miniatura che sono proporzionati al formato del dipinto finale. Successivamente, scompongo la scena in alcune forme astratte. All'inizio questo può essere difficile, e la chiave qui è concentrarsi maggiormente sulle relazioni di valore piuttosto che sui singoli oggetti per le forme. Cerco di avere il minor numero possibile di forme - non più di cinque o sei - e ignoro piccoli accenti.
Chiudere un occhio e strizzare gli occhi con l'altro aiuta notevolmente diffondendo dettagli e colori, rendendo più facile vedere le forme di valore contrastanti. Quindi disegno le masse di forme astratte nelle tre miniature. Il primo è lasciato com'è per riferimento futuro. Nella prossima anteprima, associo le masse di forma indicate a non più di quattro valori costituiti da luce, medio-chiaro, medio-scuro e scuro. È inoltre possibile utilizzare tre valori. Questa è la mia mappa del valore. Nell'anteprima finale, associo le masse di forme alla luce o al buio, creando uno schizzo di anteprima in bianco e nero astratto. Questo viene spesso definito schizzo notan.
Utilizzando la mappa dei valori come guida, qualsiasi forma al di sopra del valore medio sarà bianca e qualsiasi forma al di sotto diventerà nera. Questi schizzi di valore possono essere eseguiti con una matita o pennarelli per inchiostro.
La valutazione di questi schizzi mi dice se ho una composizione di grande valore e si dimostrano molto utili come riferimento man mano che la pittura avanza.
Non importa quanto bella sia la materia o impressionante la tecnica di applicazione, se la composizione di elementi visivi all'interno di un dipinto non è forte, alla fine sarà considerata un fallimento
Quando abbiamo iniziato a dipingere, è facile essere sedotti dall'argomento. Ci innamoriamo di ciò che rappresenta, dimenticando che perché un dipinto funzioni, deve comunicare con successo i nostri sentimenti. Per i pittori, non è semplicemente sufficiente rappresentare con precisione ciò che ci sta davanti; dobbiamo organizzare e manipolare gli elementi visivi per creare un risultato coerente.
I termini composizione e design sono spesso usati come sinonimi. Mentre funzionano in modo armonioso, rappresentano diverse caratteristiche visive. La composizione indica la disposizione degli elementi visivi e dei principi del design indipendentemente dall'argomento. Gli elementi di design sono linea, forma, colore, valore, tono, trama e profondità. I principi del design sono equilibrio, contrasto, movimento, ritmo, enfasi, proporzione e unità. Questi elementi e principi formano il nucleo della cassa degli strumenti compositivi di un artista. Ogni quadro si basa su di essi, ma alcuni saranno più evidenti di altri.
Organizzare gli elementi e i principi del design è come dirigere un'orchestra. Uno si basa sul suono e l'altro a vista, ma entrambi si affidano all'orchestrazione. A volte devo mettere a tacere una sezione di un dipinto e farne un'altra più forte, proprio come fa un direttore quando dirige un'orchestra. Il modo in cui vengono utilizzati gli elementi e i principi del design porterà a ovazioni o beffe.
Principi di design per artisti
Ecco come faccio a sperimentare vari elementi e principi del design per evitare di diventare prevedibilmente compositivo:
Linea: alterare il movimento degli elementi visivi all'interno di una scena può portare l'attenzione dello spettatore su determinate aree e creare un flusso visivo meglio bilanciato.
Forma: modificare la larghezza e l'altezza relativa degli oggetti può influire sulle proporzioni, modificando notevolmente il modo in cui ci relazioniamo con essi.
Colore: regolare la combinazione di colori dominante o pesarla su una tendenza al colore calda o fredda, può creare unità ed equilibrio, nonché uno stato d'animo alterato.
Valore: variare la posizione di luce e buio all'interno della composizione può creare enfasi, contrasto o equilibrio, a seconda dell'intento.
Tono: la modifica dell'intensità dei colori può creare enfasi, contrasto o unità, a seconda dell'umore o dell'atmosfera rappresentata.
Trama: accentuare la percezione della trama può creare ritmo ed enfasi su determinate superfici.
Profondità: modificare le distanze percepite può creare un cambiamento complessivo nelle proporzioni, generando un senso di intimità o separazione dall'argomento.