Il disegno è il cuore
L'artigianato è la base dell'espressione di sé. Imparare a disegnare è il modo più lento ma più sicuro per raggiungere la padronanza della tua pittura.
Di Juliette Aristides
Il disegno è il cuore e l'anima dell'arte. Tuttavia, è spesso sottovalutato e talvolta anche temuto, perché artisti altrimenti diligenti sono dissuasi dall'impegno del tempo richiesto. Negli anni '60, '70 e '80, sulla scia dell'espressionismo astratto, del neo-espressionismo e della moda dell'arte di assemblaggio e installazione, attingendo quasi scomparso dal curriculum della maggior parte delle scuole d'arte. Il disegno sembrava inutile, quasi antiquato. Ancora prima, già nel 1924, imparare a disegnare era considerato secondario rispetto all'apprendimento della pittura, come è evidente in questa osservazione di Harold Speed: “Il disegno, sebbene il primo (in importanza), è anche l'ultima cosa che un pittore di solito studi. C'è di più (disegno) che può essere insegnato e che ripaga l'applicazione costante dello sforzo”(da The Practice and Science of Drawing, ristampato da Dover nel 1980).
Il colore è immediatamente affascinante, sì, ma la forma delizia la mente e l'occhio. Perché il disegno, non importa quale sia il soggetto, è così importante? Pensa a un ritratto in cui gli occhi sono disallineati o a un paesaggio in cui la prospettiva è inclinata. Qualunque impatto emotivo il dipinto avrebbe altrimenti avuto, viene cancellato da un difetto tecnico. La velocità credeva che il disegno potesse essere appreso e io, come insegnante di artisti, attesto questa verità. Chiunque può imparare a disegnare ma, come suonare il piano, non accadrà dall'oggi al domani e non accadrà senza pratica. Alcuni artisti iniziano con una struttura, perché disegnano da quando erano bambini. Nel mio atelier, vedo quel tipo di studente e vedo l'altro tipo, quelli che mancano di abilità ma sono determinati a provare. Il secondo gruppo ottiene enormi guadagni, mentre quelli del primo gruppo raramente corrono i rischi necessari per avere successo. Coloro che hanno la disciplina per perseverare diventano abili disegnatori, in grado di padroneggiare le tecniche di qualsiasi mezzo.
La tradizione accademica
Attualmente insegno alla mia classe di atelier presso la Seattle Academy of Fine Arts. Il curriculum che ho ideato è rigoroso, in linea con la tradizione accademica che ha avuto inizio nelle officine di artisti del Rinascimento e fiorì durante il 18 ° e 19 ° secolo, in particolare nell'École des Beaux Arts e nell'Académie Julian. I primi secoli hanno capito che l'artista aveva bisogno di una formazione approfondita come disegnatore prima di passare alla pittura; spesso un decennio di studio del disegno non è stato considerato eccessivo. Fu anche accettato che le abilità di un artista dovessero essere affinate bruscamente prima che tentasse di affrontare il grande tema della forma umana. Solo dopo che l'artista aveva dimostrato abilità nel dipingere calchi di figure e composizioni di nature morte poteva iniziare a esprimere la vitalità e la nobiltà della figura. Dipingere la forma umana richiede all'artista non solo di ottenere una somiglianza, ma anche di suggerire - con profondità, sensibilità e integrità - ciò che sta oltre l'apparenza: l'anima.
L'abilità migliora l'espressione personale
Oggi agli artisti principianti è stato detto che l'abilità stessa inibisce l'autoespressione. Al contrario, credo che apprendere l'arte dell'artista ti permetta di esprimere la tua visione. Le abilità tradizionali sono il fondamento da cui tu, l'artista, lavori. È la maestria artigianale, non la sua mancanza, che è la base dell'espressione di sé. Viceversa, essere creativi senza conoscenza dell'artigianato è come cercare di decorare un edificio strutturalmente non fondato. Non ha senso.
Considero il mio insegnamento trasmettere un patrimonio artistico che altrimenti andrebbe perso. Quando insegno provo a trasmettere le informazioni di cui un artista ha bisogno in modo comprensibile. I complessi compiti del disegno e della pittura diventano più gestibili quando vengono suddivisi in parti.
Il disegno è un processo di semplificazione
Non c'è niente di più importante del disegno. Il processo di semplificazione, l'atto di progettare, rientra nel dominio del disegno. Tutto, ogni aspetto dell'arte - cioè proporzione, valore e forma - tranne il colore rientra nel dominio del disegno. Se l'artista viene prima formata come disegnatrice, è libera di concentrarsi sul colore piuttosto che preoccuparsi di ottenere o meno le giuste proporzioni.
Uno dei paradossi dell'apprendimento come disegnare è che la fase iniziale richiede di sacrificare i dettagli a favore del design e del gesto, mentre la fase finale richiede che ogni area del corpo sia resa, altrimenti il lavoro sembrerà generico e piatto. Imparare a disegnare richiede tempo; richiede di attingere alla vita ogni giorno. Nel mio atelier, gli studenti iniziano concentrandosi sul disegno; gli studenti più avanzati passano alla pittura monocromatica e poi completamente cromatica. Gli studenti disegnano calchi in gesso, modello nudo e allestimenti di nature morte; copiano anche capolavori. I progetti diventano sempre più complessi man mano che le loro competenze, insieme alla fiducia in tali competenze, crescono.
Come passare dal disegno alla pittura
Ci sono tanti modi per iniziare un dipinto quanti sono i temperamenti. Trovo utile dividere il processo di verniciatura nei suoi vari componenti: composizione, disegno, valore e colore - generalmente lavorati in questo ordine. La base è un design forte; un design forte avrà un impatto da tutta la stanza. Il prossimo componente più importante è il disegno. Il mio obiettivo è che il disegno sia accurato e ben concepito. Successivamente, lavoro sull'unificazione dei valori in modo che le aree scure forniscano un contesto per le luci. Infine, mi concentro sul colore, sia sul colore locale che sul modo in cui la luce influenza quel colore locale.
Lavorare per gradi: l'arte di un artista
Di solito passo diversi giorni a lavorare sulla composizione. Quindi disegno direttamente sulla tela. Perfeziono il disegno con inchiostro indiano annacquato (quindi il prossimo strato di vernice non laverà via la linea), applicato con un pennello fine. Quindi eseguo una verniciatura monocromatica che stabilisce i valori. Per questo uso spesso terra d'ombra mista a trementina; questa miscela potrebbe coprire completamente la superficie della tela, ma le linee di inchiostro saranno ancora visibili al di sotto di essa. Spengo le luci con uno straccio di cotone.
Lavoro sempre da generale a specifico. Comincio con le relazioni più ampie in linea, valore e colore prima di concentrarmi sulle relazioni più piccole all'interno di ciascun oggetto o all'interno di ciascuna parte. Usando un pennello grande, blocco le relazioni cromatiche generali. La maggior parte dei bordi viene persa; Mi occupo di collegare oggetti.
A questo punto, guardo di nuovo il disegno. Legge bene da lontano? C'è una parte subordinata del dipinto che sta ricevendo troppa attenzione? Un vantaggio deve retrocedere o andare avanti? Spesso faccio un elenco e consulto l'elenco mentre apporto le modifiche.
Concentrandosi finalmente sul colore
Ora mi concentrerò su una parte del dipinto alla volta e porterò ciascuna area a uno stato finito. Cerco di mantenere le forme d'ombra unificate e semplici; Lo faccio non consentendo una variazione eccessiva del valore all'interno delle ombre. Quindi concentro i miei sforzi sui mezzitoni tra il nucleo dell'ombra e le luci. Se percepisco un colore, lo inserisco, non è tanto una questione di vedere il colore, ma ne sta catturando un barlume con la coda dell'occhio. Confido che sembrerà giusto nel contesto. Invece di usare un solo colore per un'intera area, cerco relazioni di colori. Il colore in natura è tremendamente vario, estremamente complesso e sorprendentemente bello. Finché il disegno e l'intervallo di valori sono forti, il colore può essere una questione di opinione. Lo spettatore tratterrà il giudizio su ciò che sembra plausibile a favore di ciò che l'artista crea.
Luce nell'oscurità
Sapevo fin dall'inizio che volevo diventare un artista. Sono cresciuto a Reading, in Pennsylvania, una città abbastanza piccola. I miei genitori erano emigrati da Cape Town, in Sudafrica, dove sono nato. Mio padre era un medico e mia madre, quando ero giovane, rimase a casa. Avevamo molti libri, in particolare una raccolta di 50 o 60 monografie su pittori esperti. Anche la mia famiglia ha viaggiato molto, quindi ho visto molta arte e in realtà ho copiato molte opere. Sono stato un grande fan di Rembrandt.
Quando ero un adolescente, avrei impostato la sveglia per le 2 del mattino in modo da poter stare da solo e camminare nell'oscurità. Avevo letto molta filosofia e ho pensato che fosse importante entrare in contatto con la natura, soprattutto nel momento in cui tutto il mondo sembrava addormentato. È incredibile quanto potessi vedere; Ho fatto molti schizzi allora. Quando hai quell'età, la vita è così nuova e sei così viva. È come se vedessi le cose per la prima volta, come se tutto fosse in fiamme.
Penso che gli artisti facciano un uso continuo di quell'intensità giovanile. Mentre sono maturato come artista, il mio lavoro sembra essere sempre più sulla rivelazione. Vedo la pittura come un atto di illuminazione, di lavorare attraverso l'oscurità alla luce. La luce è un grande rivelatore di cose. Avevo un insegnante, Myron Barnstone, che una volta mi disse: “La tomba è per l'oscurità. Le ragnatele sono per la tomba. Quando sei vivo, dovresti celebrare la luce.”Questa affermazione ha risuonato con me. Trovo affascinante che ci siano nella vita questi momenti in cui ti rendi conto che sta accadendo qualcosa di importante; che un'esperienza non verrà mai riprodotta; che svanirà e sarà dimenticato, non potrà mai essere recuperato, a meno che non lo dipingiate. Avere la capacità e aver raggiunto l'abilità di dipingere quel tipo di momento, registrare quel tipo di rivelazione, è follemente meraviglioso.
Aspetti del mestiere
Consigli dell'atelier
1. Disegna da calchi in gesso di statue antiche.
2. Copia i disegni principali. Questa pratica ti darà l'opportunità di studiare come i maestri hanno trasformato la natura, con tutta la sua varianza, abbondanza e dettaglio, in linea.
3. Pensa come un designer. La più grande imitazione non è la più grande arte. Quando attingi dalla vita, cerca ciò che vuoi dire e sottolinea il carattere dominante della posa della modella.
4. Lavora dal generale allo specifico. È facile essere sopraffatti dalla complessità che si trova in natura e ci vuole esperienza per iniziare a distinguere ciò che è rilevante da ciò che non è necessario.
• Strizza gli occhi mentre guardi il soggetto.
• Guarda attraverso il vetro colorato o acetato colorato per aiutarti a vedere la linea.
• Prima di iniziare a dipingere, condensate tutte le informazioni in un piccolo schizzo, ad esempio 3 × 4 pollici. Se lo schizzo legge bene dall'altra parte della stanza, sei pronto per iniziare a dipingere.
Questo è un articolo completo di The Artist's Magazine (marzo 2004). Se ti è piaciuto leggere questo, fai clic qui per vedere altre fantastiche opere d'arte e per leggere le altre funzionalità del 2004.