Impara a disegnare e non sarai più lo stesso
I grandi artisti sanno che non potranno mai permettersi di lasciarsi alle spalle le loro tecniche di disegno se sperano di continuare a crescere e perfezionare il loro lavoro. Questo vale per illustratori, architetti, pittori, scultori, designer e persino tatuatori! Il disegno è la spina dorsale dell'arte, che consente agli artisti di non solo vedere ma registrare ciò che vedono in linea e sfumature, contorni e gesti.
La cosa più eccitante nell'imparare a disegnare è che ci sono così tante vie di ricerca. Un artista può partecipare a un programma di disegno che è specificamente progettato per attingere alla vita, facendo studi rapidi e sessioni più lunghe per catturare il movimento e il gesto di un modello dal vivo. Oppure si può continuare a disegnare come uno studio personale, prendere carta e penna (o matita) e uscire nel mondo semplicemente per disegnare. Può permetterti di imparare a disegnare con una varietà di supporti: grafite o matita, carbone, pastello, penna e inchiostro e altro ancora.
Ma se un artista spera di imparare a disegnare oggetti e figure realistici ogni volta che mette la penna sulla carta, ci sono tecniche di disegno su cui ci si deve concentrare. Prima viene l'osservazione e la coordinazione occhio-mano, in modo che alleniamo l'occhio a interpretare ciò che vediamo in modo sensato quando disegniamo, indipendentemente dal nostro soggetto. Quindi un artista può iniziare a imparare a disegnare figure, azioni e pose. Seguiranno lezioni di disegno di vita, oltre a disegnare in un quaderno di schizzi su base frequente. Questa è la vita degli artisti di disegno: tornare e utilizzare il disegno su una base quotidiana. È un impegno, ma i premi stanno imparando come disegnare qualsiasi cosa!
Come disegnare un grande dipinto
"Uno dei maggiori motivi per cui i pittori si mettono nei guai è perché le loro immagini non hanno una solida base di disegni accurati ed espressivi", afferma Jon DeMartin, artista di New York.
"Il disegno è parte integrante del processo di creazione delle immagini", afferma DeMartin. “Offre l'opportunità di esplorare variazioni dell'argomento. Un artista potrebbe eccitarsi per un'idea e precipitarsi a capofitto nel dipinto senza un'adeguata preparazione solo per scoprire, spesso troppo tardi, che l'idea non può essere sostenuta durante l'intero processo. Prendendo il tempo per eseguire i disegni preparatori, un artista può attentamente considerare e distillare le idee e quindi prendere migliori decisioni creative.”
La parte migliore dei seminari di disegno di DeMartin è che offrono agli studenti una serie di approcci al disegno figurativo, ognuno dei quali può aiutare con particolari aspetti della creazione di immagini. Ad esempio, gli studenti iniziano ogni giorno con rapidi gesti che enfatizzano gli aspetti spontanei e lineari della registrazione di una posa attiva in un disegno al tratto.
"Le pose brevi da uno a 45 minuti tendono a riguardare maggiormente la linea e il gesto e quelle lunghe (un'ora o più) riguardano la forma e il volume", spiega. "A causa dei vincoli di tempo, qualsiasi modellazione estesa con valori è difficile da fare, quindi più modi riesco a rendere il volume espresso in linea, meglio è". Quando gli artisti trascorrono ore o giorni a lavorare dalla stessa posa, i loro disegni diventano analisi dei valori correlati a forme che vanno dalla luce all'ombra.
"Entrambi questi approcci per disegnare la figura possono essere utili per i pittori, ma possono anche portare a propri problemi", afferma DeMartin. “Gli artisti che eseguono solo brevi gesti disegnano spesso immagini stilizzate che sono risposte formali piuttosto che oneste a singoli modelli. Al contrario, gli artisti che realizzano solo disegni che richiedono mesi per essere completati spesso finiscono con osservazioni meccanicamente accurate prive di contenuto emotivo. Combinando i due approcci, l'artista ha maggiori possibilità di essere in grado di effettuare sia valutazioni rapide del modo in cui le figure si muovono nello spazio, sia osservazioni accurate che evocano l'essenza della persona che viene disegnata."
DeMartin raccomanda agli artisti di utilizzare materiali di disegno diversi ma la stessa postura mentre realizzano questi due tipi di disegni. "Il disegno dovrebbe essere fatto in posizione eretta con il braccio esteso in modo che il movimento provenga dalla spalla, non solo dal polso", indica. "Gli artisti dovrebbero essere in grado di vedere sia la superficie del disegno che il modello all'interno del loro campo visivo."
DeMartin spiega che non esiste un solo approccio raccomandato al disegno o alla pittura. La cosa cruciale che gli artisti devono ricordare è che una certa quantità di disegno aiuterà a selezionare gli elementi di un'immagine, stabilire la composizione di linee e valori e risolvere potenziali problemi.
Fonte: adattato da un articolo di Steve Doherty
Tecniche di disegno: linea e ombra
Ecco alcuni consigli dell'artista e istruttore Jon DeMartin per quando impari a disegnare con linee e contorni o ombre e tonalità.
Linea: l'obiettivo principale nel fare schizzi rapidi è catturare azioni ritmiche. Trova l'azione prima dei contorni perché senza quel senso di movimento il disegno perderà il suo flusso ritmico. Se il tempo lo consente, introdurre gradualmente la struttura concettualizzando l'orientamento della testa, della gabbia toracica e del bacino nello spazio usando linee mediane verticali e orizzontali. L'attenzione si concentra più sullo scheletro del corpo che sui muscoli.
Shadow: Shadows guida l'artista nel confrontare gli altri valori che sono alla luce, quindi mettili al primo posto. Crea un valore piatto per le luci (il bianco della carta) e un valore piatto per le ombre con linee tratteggiate che creano un tono chiaro. Il valore non è un problema, ma solo l'interpretazione grafica del motivo dell'ombra. È importante riconoscere quali forme sono nell'ombra e quali no perché gli artisti spesso scambiano valori oscuri nella luce per ombre.
Linea: le linee che descrivono le caratteristiche possono attraversare le parti del corpo mentre enfatizzano il flusso delle forme e il rapporto tra una forma e l'altra. Se un braccio attraversa il corpo, ad esempio, l'artista deve prima tracciare le linee continue del corpo e poi disegnare il braccio su quella sezione del corpo. Il punto è catturare l'azione e il contorno e lasciare che le sottigliezze vengano dopo.
Ombra: imparare a disegnare o sviluppare le ombre significa lavorare in modo additivo, costruendo strati di carbone. Prima strofina su una massa uniforme e piatta di ombre e poi usa un moncone di carbone per fondere le ombre sulla carta. Questo serve come una bella contrapposizione ai valori nella luce, che sono più spontaneamente disegnati con tratteggio. Nelle pose più lunghe, l'illusione tridimensionale del disegno si esprime principalmente attraverso i valori di luce e buio. I piani sulla forma che si allontanano dalla sorgente luminosa si scuriscono mentre si avvicinano alla linea d'ombra. Queste sono le gradazioni di valore sulla forma che trasmettono l'illusione della rotondità. Più rotonda è la forma, più le gradazioni si diffondono.
Fonte: adattato da un articolo di Steve Doherty sulle tecniche di disegno di Jon DeMartin.
Impara a disegnare bordi
Le linee di contorno sono una bugia utile che un disegnatore usa per indicare il bordo di una forma in un disegno. In verità, non vediamo una linea che segna il bordo di una faccia, vediamo semplicemente dove la forma si allontana dalla vista. Tracciare una linea continua sul bordo degli elementi suggerisce forme, non forme: un disegnatore deve fare attenzione a implicare gli altri piani non visibili dal punto di vista dello spettatore. Inoltre, concentrarsi semplicemente sulle linee di contorno può distrarre un artista dall'importante compito di ritrarre il gesto del modello, che di solito si irradia dall'interno di una figura. Per questo e per altri motivi pratici, la gestione dei bordi di un artista è di grande importanza se un disegno deve essere convincente.
Le curve sono difficili da rendere con precisione. Molti istruttori di disegno raccomandano di usare solo linee rette per i bordi, ammorbidendole in curve dove necessario in seguito. Se pensi che questa sia una stampella per principianti, considera come Rubens, un abile disegnatore, ha usato questo metodo.
I bordi svolgono gran parte del lavoro nel suggerire la profondità. Una linea spessa porta la forma in avanti e una linea leggera e sottile può indicare un piano che si allontana dallo sfondo. Ma i bordi non riguardano solo le linee. In pezzi più tonali, un bordo più duro e un netto contrasto tra i piani creano una forma più vicina allo spettatore rispetto a quella con un aspetto più morbido e leggero. Questo è essenziale per le ombre proiettate: un'ombra è più nitida nel punto in cui tocca l'oggetto che lo lancia e si diffonde quando l'ombra si allunga lontano dall'oggetto. Nel suo disegno, Men Walking in a Field, Seurat ha fatto avanzare la figura più vicina nel piano dell'immagine aumentando il contrasto tra piani più scuri e piani più chiari e utilizzando bordi più duri su questa figura.
Nel suo libro Mastering Drawing the Human Figure From Life, Memory, Imagination, Jack Faragasso sottolinea che si dovrebbe sempre essere consapevoli del fatto che i bordi più importanti sono quelli che indicano modelli chiari e scuri. Usa come esempio gli spessi colletti arricciati che spesso compaiono nei dipinti di Rembrandt: i bordi importanti in tali collari non sono i singoli colpi di scena e pieghe, ma piuttosto il bordo dell'ombra mentre il collare si sposta nella luce. Descrivere efficacemente quella linea farà di più per rendere convincente il combattente di un centinaio di linee dettagliate.
Dove posizionare il disegno sulla pagina
Puoi sempre posizionare il soggetto del tuo disegno a tratteggio o del disegno di contorno nella parte centrale della pagina. Fa una dichiarazione forte e, in alcuni casi, esprime chiaramente il modo in cui vuoi che lo spettatore viva il pezzo. Ma posizionare l'argomento altrove nella composizione può far funzionare lo sfondo per te e creare intriganti tensioni, suggerire la narrazione e guidare l'occhio al punto focale in un modo più sottile.
Il termine francese mise en page (tradotto letteralmente, "posizionamento sulla pagina") è talvolta usato in riferimento a questo concetto, ma l'idea ha le sue radici in una storia molto precedente: si pensa che la considerazione degli artisti su questo aspetto della composizione abbia avuto origine nel Rinascimento. All'età di Watteau, il suo significato nell'approccio di un artista era fermamente stabilito, e oggi è quasi inconcepibile che un artista che lavora trascuri la sua attenta gestione.
La nostra naturale tendenza potrebbe essere quella di collocare l'oggetto al centro della composizione, dandogli l'attenzione che merita nel mezzo del nostro "palcoscenico", ma ciò non riflette accuratamente il modo in cui normalmente vediamo il mondo. A meno che non siamo estremamente vicini al nostro argomento, ci sono molte informazioni che ci raggiungono nella nostra visione periferica. Sperimentiamo tutto nel contesto e questo contesto influisce sul modo in cui interpretiamo il punto focale. Come cassetti dobbiamo combattere ciò che sembra automatico e osservare veramente l'intera scena per descrivere accuratamente i tableau.
Periklis Pagratis, il presidente degli studi di fondazione presso il Savannah College of Art and Design, insegna ai suoi studenti a disegnare nozioni di base e oltre, inclusa l'idea che quando progettano una composizione, dovrebbero pensare all'argomento come alla testa di Medusa - non guardarlo direttamente o ti trasformerai in pietra (o almeno il tuo disegno). Lo spazio negativo attorno al soggetto dovrebbe svolgere un ruolo essenziale nella composizione. Ci sarà un sacco di tempo per esaminare attentamente il soggetto stesso quando arriva il momento di renderlo.