Questo articolo su Tim Kennedy di John A. Parks è apparso per la prima volta nel numero di giugno 2014 di The Artist's Magazine.
Nei dipinti di Tim Kennedy, siamo invitati a testimoniare i piaceri della vita che passano: gli amici si fermano per una visita; un vaso di fiori si trova graziosamente su un tavolo; una moglie o una ragazza entra nella doccia; il sole, rastrellando un soggiorno, fa rimbalzare la luce da pavimenti in legno e morbidi cuscini. Il colore è attraente e leggermente più vibrante di quanto consentirebbe un rigoroso realismo, conferendo calore e unità armonica. Il disegno fine è molto evidente, con forme accuratamente delineate in un modo che tradisce un certo sforzo di semplificazione. La vernice, stratificata in modo opaco, tende a sedersi in aree piane con solo la transizione miscelata occasionale. L'effetto è quello di suggerire una forma tridimensionale senza passare attraverso la lunga attività di rendering fino all'ultima svolta e rotazione. Lasciare gran parte del colore in aree piuttosto piatte consente all'artista di organizzare le sue composizioni come un insieme di forme chiare che si uniscono in formazioni quasi classiche. Sono dipinti che promettono un godimento tranquillo e piacevoli riflessi, qualcosa di cui Tim Kennedy è ben consapevole.
Il fascino della vita
"C'è una famosa dichiarazione di Matisse che confronta un dipinto modernista con una comoda poltrona", afferma Kennedy. “L'idea è che quando una persona torna a casa dal lavoro - forse come impiegato - potrebbe rifugiarsi, conforto e piacere in un'opera d'arte. Sono più o meno d'accordo con questo punto di vista.”L'artista è pronto a sottolineare che non lo considera come se lo spettatore dovesse essere semplicemente passivo. "Penso che la mente e i sensi dello spettatore siano in uno stato acuto", dice. "Penso che sia qui che entra in gioco la sensazione di piacere."
Tim Kennedy applica questo approccio indipendentemente dal fatto che stia dipingendo un paesaggio, una natura morta o una figura, riorganizzando il mondo di fronte a lui fino a quando non produce una formazione che seduce e gratifica. Per raggiungere questo obiettivo, lavora sempre dalla vita: "Normalmente dipingo direttamente dal mio soggetto, anche se è un soggetto che sono costretto a ricostruire in qualche modo in studio" (vedi Modern Painters, sotto, e Poinsettia Mirror, oltre sotto). “Per un paesaggio, ovviamente, dipingerei fuori. Potrei fare nature morte in studio, o potrei creare allestimenti in piccoli punti della nostra casa. Dipingo direttamente, quindi ogni giorno mi avvicino al dipinto su cui sto lavorando come se fosse un nuovo pezzo. Dipingo spesso sul lavoro del giorno precedente, anche se era qualcosa che mi piaceva."
Metodo di misurazione delle forme astratte di Tim Kennedy
Tim Kennedy sente chiaramente che la ricchezza di informazioni offerte dalla natura, così come la sua risposta a queste informazioni, è necessaria per il successo dei suoi dipinti. Non è sempre stato così. "Il grande tiro alla fune in precedenza nella mia vita artistica era tra astrazione e figurazione", ricorda. “L'attrazione dell'astrazione era che potevi dipingere in studio e che non dovevi fare riferimento a un motivo. Il problema che si è presentato per me è stato che non ero mai del tutto sicuro di cosa significasse dipingere senza riferimento. Ho finito le idee e alla fine ho sentito il bisogno di ricaricarmi dalla natura. Francamente, non sono mai troppo sicuro di cosa significhi dipingere dalla vita, ma trovo che la varietà della natura sia infinita."
Mentre tutti i dipinti di Tim Kennedy sono prodotti di una visione abbastanza coerente, il suo modus operandi varia da lavoro a lavoro. "Non credo di avere un processo ben definito e graduale", afferma. “Quello che tendo a fare è prendere alcune semplici misurazioni all'inizio di un dipinto. Lennart Anderson mi ha insegnato un metodo per misurare la figura che ha chiamato "i tre punti". È un sistema di misurazione ottico. In una figura eretta, ad esempio, dovresti misurare dal tallone della gamba portante al cavallo e quindi aggiungere quella stessa lunghezza, misurando dal cavallo. La seconda misurazione atterrerà da qualche parte nella testa, come il naso o l'attaccatura dei capelli, a meno che il modello non abbia gambe insolitamente lunghe.”Procedure di avvistamento di questa natura lo aiutano anche ad approssimare le dimensioni comparative delle forme nei suoi paesaggi e nature morte.
L'installazione di Tim Kennedy per il successo
Nell'impostare la pittura, Tim Kennedy si preoccupa di trovarsi nella giusta posizione rispetto all'argomento. "Quando lavoro su una piccola tela o tavola, mi piace avvicinarmi il più possibile al mio soggetto", afferma. “Se dipingo un paesaggio, di solito lavoro con un cavalletto francese. Lo sistemerò ad angolo rispetto al soggetto in modo che la distanza con cui giro la testa sia il più corta possibile. "Per preparare la sua tavolozza, mescola un numero di colori: di solito giallo ocra, arancio di Marte, ambra grezza, ftalo turchese, viola diossazina e terre verte, tagliati con il bianco di Cremnitz. Può anche mescolare alcuni colori che vede nel soggetto, nell'impostazione o nel paesaggio che sta dipingendo.
Di solito Tim Kennedy dipinge in sessioni di tre ore. "La luce cambierà dopo", dice. “Se è il primo giorno di un dipinto, misurerò un po 'e segnerò le unità con linee e punti, che possono sembrare molto astratti. Mi piace coprire l'intera superficie del dipinto il più rapidamente possibile. Riprendendo il lavoro durante le sessioni successive, potrei coprire il pezzo con uno strato diluito di mezzo (miscela di due parti di olio di lino ispessito al sole, due parti di vernice damar e una parte di trementina di Venezia) prima di iniziare il lavoro della giornata. Questo mi permette di riaprire il dipinto.”
Nella tradizione veneziana
Tim Kennedy lavora sia ad acquerello che ad olio e apprezza i punti di forza di ciascuno. "Mi piace la viscosità dell'olio, la sua opacità e l'azione cromatica che si ottiene dal colore che si scaglia contro il colore", afferma. "Mi piace come puoi lavorare su una versione precedente di qualcosa."
Quando lavora a olio, non risolve completamente il disegno prima di iniziare a dipingere. "Sembra che ci siano due tradizioni risalenti al Rinascimento italiano nella pittura: il fiorentino e il veneziano", dice Tim Kennedy. “La pittura fiorentina era dominata da idee scultoree e tendeva a stabilire un contorno, all'interno del quale l'artista avrebbe lavorato. La tradizione veneziana è quella pittorica in cui l'artista potrebbe iniziare al centro di una forma e lavorare fino a un bordo indistinto. Mi considero parte della tradizione veneziana."
Tim Kennedy afferma di trovare utile anche la pratica veneziana di sovrapporre colori caldi e freddi l'uno sull'altro. "Se sto lavorando a un paesaggio ad olio, ad esempio, le prime fasi del dipinto possono sembrare una versione sfusa di un Mondrian", dice, "con alcune misure che potrebbero assomigliare a una griglia e blocchi di colore". Gli piace il colore forte e, mentre continua a dipingere, risponde al modo in cui il colore della luce potrebbe influenzare il suo soggetto, ma non si spinge fino a "esagerare consapevolmente il colore".
Lavora da bagnato a bagnato e, per la maggior parte, non usa mezzi che accelerano l'essiccazione.
Tim Kennedy prova ad adottare un approccio simile con l'acquerello ma trova che per questo mezzo ha bisogno di creare un disegno più consolidato per dipingere sopra. "Nell'acquerello la trasparenza e la qualità liquida dei marchi sono allettanti", afferma. "Mi piace quando due colori trasparenti che sono distanti sulla ruota dei colori possono incrociarsi tra loro per creare un nuovo terzo colore (vedi Neighbours in Chief, sopra)."
Il design come atto di bilanciamento
Anche se Tim Kennedy inizia i suoi dipinti con un approccio aperto ed esplorativo, le opere finite hanno un aspetto risoluto ed equilibrato. In Poinsettia Mirror (in basso), ad esempio, una giovane donna nuda sta con le spalle allo spettatore, girando la testa da un lato. Il soggetto è collocato appena fuori centro nella composizione, supportato dal rettangolo di una cassettiera. Tappeti, pareti e ombre si uniscono a accappatoi e mobili sospesi per formare un design ad incastro teso di forme chiare. Anche le scarpe che giacciono sul pavimento formano un triangolo che si riflette nella lampada sulla parte superiore della cassettiera. L'armonia dei colori è anche ben bilanciata con ricchi ocra, gialli e arance che giocano contro una varietà di blu sobri e un dolce verde nell'asciugamano appeso sulla porta dell'armadio.
Return Trip (sotto) mostra una narrazione più attiva, con una giovane coppia che è appena arrivata a casa. La donna sta aprendo la porta d'ingresso e guarda con ansia il suo partner che sta fissando una lettera che ha appena preso dalla cassetta delle lettere. "Le mie narrazioni tendono ad essere minimali o sottili", afferma Kennedy. “Non mi occupo di storie o drammi esagerati nei miei quadri, ma devo tenere in considerazione la narrazione; altrimenti la reazione dello spettatore sarà "Perché queste persone sono insieme?" Dipingere le persone in uno spazio è divertente e interessante. Mi piace elaborare una composizione e i soggetti umani hanno un calore intrinseco che manca alle cose inerti."
Alcuni dei dipinti di Tim Kennedy sono pura ritrattistica. A Malcolm, LuAnn e Owyn (sotto), un gruppo familiare siede su un divano di vimini su una veranda. Fuori, oltre il prato spazzato dal sole, c'è una station wagon parcheggiata. Il dipinto è audace e chiaro ma contiene abbastanza finezza e dettagli per conferire alle figure un carattere e un'identità reali. I dettagli dell'abito dei soggetti e le calzature casual suggeriscono vacanze estive con il tempo libero per godersi la vita e rilassarsi. Tuttavia, l'uomo legge attentamente un foglio e il ragazzo immerge la sua attenzione su un iPad. Solo la madre guarda verso l'esterno, viva per la situazione.
Who's Who degli artisti ammirati di Tim Kennedy
Studente appassionato di storia dell'arte, Tim Kennedy rivendica molte influenze. "Potrei andare avanti all'infinito", dice. Tra gli artisti moderni, cita Hans Hofmann e Arshile Gorky: "Hofmann", spiega Kennedy, "a causa dell'atteggiamento costruito, esperienziale che ha portato al suo insegnamento e alla pittura, sia che stesse lavorando su una materia o meno; Gorky per i cambiamenti che ha attraversato e perché le sue forme avevano un significato particolare per lui che non era casuale.”Kennedy ammira anche Joseph Cornell, Philip Guston e Anselm Kiefer. Selezionando i preferiti tra i pittori rappresentativi americani, Kennedy rispetta naturalmente Winslow Homer, John Singer Sargent ed Edward Hopper - e ha una speciale ammirazione per Charles Burchfield, che Kennedy sottolinea come "un artista davvero straordinario e sottovalutato che ha lavorato principalmente nell'acquerello".
L'ampio apprezzamento dell'arte di Tim Kennedy, che spazia dal barocco spagnolo al minimalismo contemporaneo, è in parte il risultato di una vasta educazione artistica, a partire dalla sua osservazione, in giovane età, della pittura di sua madre nella loro casa. "Alla fine mi sono interessato al modernismo e ho letto biografie di Duchamp, Picasso e Matisse della serie Time Life", ricorda. “Mi sono piaciuti molto gli artisti pop in questo momento; Mi piaceva il fatto che il Pop avesse qualcosa in comune con il realismo. Mi sono interessato a Robert Rauschenberg e Jasper Johns, quindi Pop mi ha portato a interessarmi a Dada.”Poco dopo aver conseguito la laurea in belle arti, Kennedy scoprì Fairfield Porter. "Ho ammirato che ha visto il suo lavoro in un contesto moderno", afferma Kennedy, "ma che si è avvicinato alla pittura come ha fatto lui, dipingendo la sua famiglia e l'ambiente circostante perché farlo gli sembrava naturale." Inoltre, mentre guadagnava il suo maestro di laurea in belle arti al Brooklyn College, Kennedy ha studiato con Philip Pearlstein e Lennart Anderson.
Uscire allo scoperto
Per quanto riguarda il futuro, Tim Kennedy si vede continuare a dipingere ritratti di gruppo, ma ha in mente alcuni cambiamenti. "Negli spettacoli precedenti mi sono concentrato sulla casa in cui vivevo e sulle attività che si potevano incontrare lì", dice. "Ho pensato di sistemare i miei pezzi negli spazi pubblici". Di conseguenza, ultimamente ha dipinto in un parco statale. "Da questo materiale mi piacerebbe sviluppare composizioni di figure", dice, "come persone che si accampano, si godono la spiaggia o giocano a pallavolo".
PER SAPERNE DI PIÙ
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