Questo articolo su Julio Reyes e i suoi ritratti e figure d'arte sono apparsi per la prima volta nel numero di maggio 2011 di The Artist's Magazine.
L'artista della California meridionale Julio Reyes era un tempo contendente di un altro tipo. Il suo talento di calciatore delle superiori aveva portato i reclutatori a chiamare con offerte di borse di studio. Reyes aveva giocato in partite di campionato in tutto il mondo, ma durante un viaggio di squadra in Francia, mentre si trovava tra i suoi compagni di squadra nelle gallerie del Louvre, Reyes ebbe una rivelazione. "Mentre mi guardavo intorno, ero sopraffatto da questo tremendo senso di nostalgia", afferma Reyes. "Mi sembrava di essere l'unico a sapere che eravamo circondati dallo splendore." Quella stessa notte andò al suo quaderno di schizzi e disegnò tutto ciò che ricordava delle opere d'arte. L'intensità che aveva riservato al calcio è stata rapidamente reindirizzata alla sua nuova vocazione.
Guardando indietro, Reyes non rimpiange questa decisione di lasciare una promettente carriera atletica. Fare sport sarebbe stata una professione di breve durata, ma fare arte è qualcosa che può fare per tutta la vita e gli dà un senso di catarsi e calma. Dipingere ritratti e figure artistiche è per lui paragonabile alla creazione di poesie, e spesso una sensazione o un'impressione casuale lo spinge a creare. “Prenderò un po 'di flash o noterò qualche dettaglio: il modo in cui il vento cattura i capelli di qualcuno o il modo in cui la luce cade su una giacca di velluto a coste. Poi sono appassionato ", dice. “Un'opera forte è il frutto di un'esperienza potente e di impressioni profonde. Ogni ricordo, suono e odore si scrive sul cuore."
Reyes descrive le sue opere finite come un "miscuglio" o "riconciliazione" di molti disegni e dipinti. A volte cambia media mentre esplora i vantaggi dell'uno rispetto all'altro per un determinato lavoro. Ama la qualità istantanea dell'acquerello. L'olio offre più peso e una varietà di trame e finiture. Quando inizia un disegno, gran parte del sollevamento pesante viene eseguito con una matita meccanica accompagnata da una grande moderazione mentre resiste eccitato saltando dentro con segni appariscenti invece di lavorare pazientemente attraverso il processo di stratificazione.
Molte delle opere di Reyes trasmettono la sensazione di nostalgia che provava al Louvre. Sua moglie, Candice Bohannon, anch'essa artista, funge da modella, spesso raffigurata come una figura solitaria davanti a uno sfondo desolato. "Gli ambienti non sono lì per riempire lo spazio", dice. Sono incinta di significato. Hanno tanto, se non di più, il potenziale di comunicare come una figura.”I vasti, desolati paesaggi grisaille evocano weltschmerz, o stanchezza del mondo. In gran parte vuoti tranne che per i resti industriali, i dipinti raccontano la tendenza dell'umanità a costruire e abbandonare.
"C'è una malinconia nascosta nel nostro tempo, in qualche modo legata al vuoto culturale lasciato sulla scia dell'ethos postmoderno", dice. “Viviamo in una sorta di nuova frontiera in cui tutte le vecchie verità sono state abbattute e nessuna sostituita. Questo è parte del motivo per cui dipingo cose come torri elettriche, linee elettriche e paesaggi aridi nel modo in cui lo faccio io - giustapporre un momento molto privato contro l'immensità di un mondo stanco.”Nella tristezza, però, c'è una bellezza che Reyes si sforza di trasmettere ciò che dà alla vita momenti sublimi.
Una caratteristica interessante e potente nei dipinti di Reyes è il suo sottile uso del colore in opere d'arte prevalentemente monocromatiche. "Sto lontano dai drastici mix di colori", spiega. Il colore audace potrebbe distrarre dal trasmettere una certa esperienza allo spettatore e Reyes non è uno che martella lo spettatore sopra la testa.
Ma c'è un'altra ragione dietro la tavolozza dei colori tenui. Nella scuola elementare, durante una serie di test di routine, Reyes ha scoperto di essere parzialmente daltonico. Trova difficile distinguere tra rosso e verde, nonché blu e viola. "I verdi e i blu di ftalio sono difficili per qualcuno come me", afferma. Mentre il colore potrebbe non essere la sua forza, il valore e la temperatura lo sono.
Indipendentemente da questa forza compensativa, come riesce a far fronte a una simile sfida? Con molta ricerca e affidamento su altri occhi, compresi quelli di sua moglie. Reyes sottolinea l'ironia del suo forte senso del colore e della sua debolezza del colore. Ci sono state volte in cui ha completato un ritratto, solo per avere il cuore spezzato quando ha saputo di aver dipinto un viso verde. Non uno a cui rinunciare facilmente, Reyes ha semplicemente raschiato via la vernice e ha ricominciato.
Per preparare i suoi mezzi, Reyes lascia addensare l'olio di semi di lino e di noci alla luce del sole, a volte fino a un anno, in modo che diventino “più accattivanti” su tela. Ha scoperto questo approccio fai-da-te per produrre oli corposi attraverso la serie di libri Art in the Making, pubblicata dalla National Gallery of Art di Londra. Costruisce anche i suoi cavalletti, fissando a mano i pannelli e le barre della barella. (Fai clic qui per vedere la dimostrazione dettagliata di Reyes: come ottenere la tela innescata e pronta.)
Mentre la sua formazione è accademica e impiega alcune tecniche storiche, Reyes disdegna i dipinti che seguono i vecchi maestri in una colpa. Sente che senza trarre dalla propria esperienza, un pittore sta davvero parlando con un accento influenzato - un "linguaggio visivo preso in prestito". Spiega: "Se la tua esperienza è stata profonda, ne nasce un nuovo linguaggio".
La parte precedente dell'articolo è di Lisa Wurster. Segue una breve dimostrazione di ritratti di Julio Reyes.
La creazione di un impero
1. Prima di dipingere Empire, ho creato uno studio sul carbone 9 × 12 (sopra). Il carbone mi ha permesso di descrivere con audacia e rapidità le forme base delle masse di luce e oscurità, qualità formali che apprezzo di più nel calore delle cose quando l'idea colpisce e sto cercando di abbatterle. Sono stato colpito dalla forma bianca della giacca contro la massa scura delle torri e delle linee elettriche, nonché dalla complessità del modello che la massa oscura ha proiettato all'orizzonte. Con il carbone, sono stato in grado di tracciare quella giustapposizione vitale, sia concettualmente che pittoricamente.
La pittura di fondo (sopra) dell'Impero è ciò che chiamo un palcoscenico a tinte morte. Le forme sono approssimativamente bloccate con colori neutri, e le luci più chiare e le tenebre più scure sono ancora vicine al centro della scala dei valori. Ma ogni quadro è diverso. A volte inizierò con colori locali forti, quasi estremi, a volte solo con una grisaglia. Ho scelto un blocco neutrale con Empire perché sapevo che avrei avuto a che fare con una tavolozza limitata nel pezzo finito. Da questa fase, completare il dipinto era una questione di raffinamento delle forme, rafforzamento dei valori e arricchimento del colore.
Tutto nell'Impero (sopra), dalle torri elettriche alla recinzione del collegamento a catena a quella meravigliosa giacca - era dipinto con fedeltà al modo in cui la luce dell'aldilà illuminava gli oggetti reali. Gran parte della variegata ricchezza deriva dal posizionamento di passaggi audaci alla prima accanto a passaggi sottili e stratificati.
PER SAPERNE DI PIÙ
- Guarda un'anteprima gratuita del seminario digitale Costa Vavagiakis "Disegnare un ritratto dalla vita".
- Consulta la rivista elettronica scaricabile "How to Draw People: Portrait Drawing in Graphite and Charcoal".
- Leggi l'articolo online “Come David Jon Kassan dipinge i ritratti ad olio.
- Guarda un'anteprima gratuita del workshop sul DVD degli Artisti Daily Mastering Portrait Drawing con Susan Lyon.
- Leggi la dimostrazione passo-passo di Candace Bohannon, “Come dipingere fiori in una pittura a olio di natura morta.
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