L'artista del Michigan Jim Johnson offre preziosi suggerimenti per la pittura ad acquerello di successo all'aperto.
di Collin Fry
SS Kewatin 2000, acquerello, 9 x 12. Tutti materiale illustrativo questa raccolta di articoli artista se non diversamente indicato. |
Jim Johnson ama dipingere all'aperto. "C'è una tale bellezza da vedere nelle miscele casuali di luce, colore, trama e trama in natura", dice. “Per me, l'acquerello è il mezzo perfetto per l'esplorazione di queste meraviglie. Osservare, dipingere e divertirsi è la mia filosofia, in tutti i tipi di tempo. A volte sento di non dipingere affatto le cose, ma piuttosto i colori e le qualità della luce che cambia mentre tocca vari soggetti naturali e creati dall'uomo.”
Lo studio della luce e dei suoi effetti ha una lunga storia con i pittori, in particolare gli impressionisti francesi e americani. Ogni artista incontra problemi che coinvolgono la luce in continua evoluzione quando dipinge en plein air. Johnson ha studiato l'argomento nel corso di una lunga carriera come illustratore e acquarellista e, di conseguenza, i suoi dipinti mostrano una magistrale gestione degli effetti della luce e del valore. Gli spettatori spesso commentano che i suoi dipinti ad acquerello “brillano”, un effetto che ottiene attraverso la sua pratica di lasciare frammenti di carta bianca che mostrano tra grandi e piccole aree di colore. La forte grafica e i contrasti di valore nitidi creano un nuovo effetto che sembra davvero scintillare. Per completare l'effetto complessivo dei suoi dipinti, Johnson varia le dimensioni e la direzione delle sue pennellate, aggiungendo consistenza e un aspetto impressionistico alle sue opere d'arte.
"Per me, un dipinto plein air registra un evento, un ricordo prezioso e un momento particolare nel tempo con la sua luce, il suo umore e il suo colore unici", afferma. “Per raggiungere questo obiettivo, cerco sempre di catturare la mia prima impressione di una scena. Questi primi tratti possono essere la parte più eccitante del processo di pittura e il mio obiettivo è quello di rendere chiaramente visibile quell'eccitazione nel pezzo finito.”Dipingere un rendering dettagliato e fotografico di un soggetto non è importante per Johnson. Piuttosto, ritiene che essere creativi - interpretare liberamente una scena con una visione e uno stile personali - dovrebbe essere l'obiettivo della plein air painting. "Non si dovrebbe essere troppo sicuri o prevedibili o esitare a sopravvalutare ciò che si vede", esorta. “Sii spontaneo. Ogni quadro dovrebbe essere un'avventura."
La maggior parte delle volte Johnson utilizza una tavolozza a tre colori primaria. Alizarin cremisi, cadmio giallo chiaro e blu cobalto sono le sue scelte preferite, e questi colori di base possono essere mescolati per creare quasi qualsiasi tonalità desiderata, calda o fredda. Occasionalmente aggiungerà altri colori se necessario.
Il vecchio Chris-Craft 2008, acquerello, 8 x 11. |
L'artista limita le sue composizioni ai principali elementi di una scena, a volte valorizzando alcune aree omettendo dettagli meno importanti. Dalla sua esperienza pluriennale, Johnson ha sviluppato tre fasi preliminari per la pittura di successo en plein air. Innanzitutto, elabora schizzi di valore per impostare il motivo chiaro-scuro e studiare le forme di base della scena. Successivamente, sviluppa le forme in motivi che creano una composizione solida. Quindi esegue uno studio del colore, prestando particolare attenzione alla temperatura del colore.
Una volta che l'artista ha completato questi semplici ma importanti passaggi, è pronto per iniziare a dipingere. Johnson di solito usa carta Strathmore 400 Series da 130 libbre, che ha il dente sufficiente per il suo stile di pittura. Continua a sperimentare con altri documenti ma continua a tornare allo Strathmore. "Mantiene il colore più a lungo, dandomi il tempo di lavorare i pigmenti bagnati senza macchiare la carta", afferma Johnson. L'artista preferisce i moderni pennelli sintetici, sentendo che mantengono la loro forma originale meglio dei tradizionali pennelli da sabbia. In genere usa solo i migliori acquerelli a tubo a causa delle loro tonalità intense, ma Johnson a volte sperimenta con vernici per studenti.
Con gli schizzi preliminari a portata di mano, inizia spremendo tocchi di luce alizarina cremisi, blu cobalto e giallo cadmio in punti equidistanti sul vassoio del suo macellaio rivestito di porcellana. Nel mezzo del vassoio Johnson fa una pozzanghera di acqua limpida e crea un "fiume" d'acqua con il suo pennello che collega la pozzanghera al tocco rosso. Quindi crea altri due fiumi che collegano i dab blu e giallo alla pozzanghera. I colori possono ruotare e correre insieme in modo casuale. Quindi mescola versioni più scure delle miscele. "In quel momento emozionante si sa se è o meno destinato a diventare un pittore di acquerelli", dice. "Mentre vedo la varietà infinita di possibilità di colore formarsi sul vassoio, sono pronto per dipingere."
Come suggerimento finale, Johnson raccomanda l'uso attento di una combinazione di bordi duri e morbidi. Ciò eviterà che le varie forme diventino troppo nitide e abbiano l'aspetto di essere ritagliate e incollate su uno sfondo. I bordi morbidi collegheranno una forma grande a uno sfondo, facendolo retrocedere. I bordi, duri e morbidi, persi e trovati, possono controllare il movimento degli occhi dello spettatore e dare a un dipinto un senso di mistero e umore.
Skiff di South Haven 2000, acquerello, 11 x 14. |
Tre passaggi preliminari per garantire un buon inizio su un dipinto
1. Analizzare prima i valori
Quando si dipinge en plein air, il tempo diventa cruciale. La luce è in continua evoluzione, quindi è importante identificare rapidamente la sorgente luminosa, analizzare le ombre e stabilire un modello di valore. Questa diventa la struttura di base del pezzo. Forme e valori sono gli elementi più importanti di un dipinto.
Traduci gli oggetti che vedi nelle aree principali con tre valori di grigio: chiaro, medio e scuro. Lo strabismo aiuta a semplificare le forme ed eliminare i dettagli estranei, consentendo di visualizzare la scena ridotta a semplici schemi di forme in questi tre valori. Esegui uno studio di piccolo valore, usando il bianco del foglio per rappresentare un quarto valore, se lo desideri.
2. Sviluppa modelli di forme in una composizione
Collegare le varie forme insieme per formare modelli sia semplici che complessi. Scegli un centro di interesse. Quindi, dirigi l'occhio dello spettatore attraverso il dipinto come desiderato raggruppando le forme. Ricorda, avere una varietà di forme aggiunge interesse ed equilibrio a una composizione. Non aver paura di cambiare o eliminare oggetti o dettagli.
Festival dell'acqua 2007, acquerello, 12 x 16. Collezione privata. |
3. Elaborare un piano colori
Un piccolo studio del colore può essere molto utile, specialmente per soggetti complessi. Assegna i colori al modello di forme, tenendo presente la struttura del valore che hai stabilito. La scelta del colore può essere fedele alla scena o interpretata in modo più libero e creativo. Nota l'effetto che i colori caldi e freddi hanno l'uno sull'altro: ricorda che i colori caldi tendono a farsi avanti, mentre i colori freddi si ritirano. Inoltre, la luce calda crea ombre fredde; la luce fredda può provocare ombre calde.