Aragosta, Maine 2007, acquerello, 15 x 22. Tutte le opere d'arte questa raccolta di articoli l'artista se non diversamente indicato. |
Questo artista e insegnante raccomanda di dipingere liberamente e con audacia, un approccio che ha definito la sua carriera.
Acquerello: come hai iniziato con l'acquerello?
Mel Stabin: Tutto è iniziato con Edgar Whitney, che era il mio professore e mentore al Pratt Institute, dove ho dipinto la figura ad acquerello. Accese il fuoco. Ho anche studiato con Ed per sei anni dipingendo paesaggi sul posto.
WC: Com'è stato studiare con Edgar Whitney? Qual è stata la cosa più importante che ti ha insegnato?
MS: Ed aveva una personalità straordinaria. Aveva forti convinzioni sull'arte e sulla vita, che presentava in modo potente e drammatico ai suoi studenti. Cercare l'essenza di un soggetto prima di dipingerlo è stata una delle cose più memorabili che ho imparato da Ed.
WC: quali sono i tuoi criteri per scegliere un argomento?
MS: Per prima cosa rispondo alla mia reazione immediata all'argomento. O lo sento o no. Quindi considero le opportunità pittoriche in termini di principi di progettazione di composizione, colore, valore e così via. I soggetti possono variare da figure a paesaggi fino a nature morte.
WC: per i tuoi quadri, come decidi una posa?
MS: Se il modello è qualificato, allora lei o lui creerà la posa. Se la modella non ha molta esperienza, progetterò una posa. Faccio piccoli aggiustamenti ai gesti e all'illuminazione. Per i modelli di abbigliamento, suggerisco un paio di modifiche al guardaroba che sono interessanti per forma, colore e consistenza.
roofers 2005, acquerello, 15 x 22. |
WC: descrivi come si progetta una composizione
MS: La sfida è tradurre un soggetto tridimensionale su una superficie bidimensionale. È la prima considerazione a decidere dove risiedono le grandi forme del soggetto sulla carta e il loro rapporto reciproco. Posso quindi stabilire la dinamica della composizione con forme e ritmi dominanti.
WC: descrivi brevemente il tuo processo di verniciatura.
MS: Comincio con un approccio casuale, permettendo ai colori di mescolarsi l'uno con l'altro in modo astratto. Creo prima le grandi forme di colore e valore. Quando vengono stabilite le relazioni di forme, colore e valore, mi occupo dei dettagli.
WC: Nei tuoi libri promuovi un approccio spontaneo ma mirato. Quali sono i vantaggi di lavorare in questo modo?
MS: C'è una tendenza per gli artisti a irrigidirsi all'inizio di un dipinto. Sfruttare la bellezza unica del mezzo acquerellato, essere spontanei nell'approccio a un dipinto e molto concentrati sull'essenza del soggetto si tradurrà in un'opera credibile. L'acquerello è al suo meglio quando viene liberato.
WC: qual è il tuo consiglio agli artisti di lavorare con il colore?
MS: Tra tutti gli elementi coinvolti nel processo di verniciatura, il colore è il più espressivo e la scelta è personale. Sii fedele ai tuoi sentimenti riguardo al colore, ma basa le tue scelte sulla conoscenza. Conosci la ruota dei colori. Sperimenta con variazioni di colore, come colori complementari, colori analoghi e colori terziari. Dopo un po 'scegliere i colori e come li usi diventerà intuitivo.
Wash Day a San Miguel 2005, acquerello, 15 x 22. Collezione Eli Neuberger. |
WC: il bianco della carta sembra svolgere un ruolo particolarmente critico nei tuoi dipinti. Qual è la tua tecnica per preservare i bianchi, e perché pensi che sia importante far lavorare la superficie della carta per l'artista in questo modo?
MS: Dei tre valori principali nella pittura - bianco, mezzitoni e nero - il bianco è il più aggressivo. Pertanto, le relazioni e i ritmi delle forme bianche dovrebbero essere pianificati in anticipo per creare un dipinto dinamico. Nella pittura ad acquerello trasparente, il bianco spesso aggiunge brillantezza alla superficie. La mia preferenza per la creazione di forme bianche è quella di tagliarle intorno con un pennello in modo che i bordi delle forme possano essere controllati. Ci sono momenti in cui una forma dovrebbe avere un bordo morbido, un bordo a pennello asciutto o un bordo duro. Se un artista sviluppa la destrezza con un pennello, le più piccole forme bianche possono essere create con facilità.
WC: Quanto è importante che un artista sviluppi uno stile distintivo?
MS: Il proprio stile personale si svilupperà con la produzione. Uno stile è un riflesso dell'artista come individuo. Incoraggerei la familiarità con le scuole d'arte che sono di interesse, ma attenzione a imitare lo stile di un altro artista. Sii te stesso.