Scopri cosa hanno cercato i giurati di questo concorso artistico internazionale quando hanno scelto i dipinti vincitori per il 29 ° concorso artistico annuale di The Artist's Magazine. I giurati quest'anno erano:
David Jon Kassan: Ritratto / Figura
M. Katherine Hurley: Paesaggio / Interni
Donna Watson: astratto / sperimentale
Sadie J. Valeri: Still Life / Floral
Koo Schadler: Animale / Fauna selvatica
Dietro le quinte: la giuria della 29a edizione del concorso artistico annuale della rivista The Artist's Magazine
David Jon Kassan: giurato per ritratto / figura
Il ritratto di David Jon Kassan, Brush Back, è apparso sulla copertina del numero di aprile 2011 di The Artist's Magazine. Kassan ha studiato all'Università delle Arti di Filadelfia e ha conseguito la laurea in Belle Arti presso la Syracuse University di New York; ha continuato la sua formazione con lezioni presso la National Academy School of Fine Arts e la Art Students League. Esibendo in mostre personali e collettive a livello internazionale, Kassan ha ricevuto onorificenze e premi dal Salmagundi Club, dalla Portrait Society of America, dalla National Academy School of Fine Arts e dalla Art Students League, tra le altre organizzazioni. Per saperne di più e per trovare il suo programma di seminari, visita il suo sito Web all'indirizzo davidkassan.com.
Alla domanda su quali criteri ha usato per valutare il lavoro, Kassan ha risposto: “Le linee guida sono triplici: cerco un buon equilibrio tra onestà, emozione, originalità, il tutto racchiuso in un quadro ben dipinto. Un dipinto che riflette veramente il punto di vista unico di un artista attraverso l'esecuzione, nonché la scelta della composizione e del soggetto è una gioia da vedere. Siamo tutti somme della propria esperienza di vita ed è difficile raccogliere quelle esperienze e trasformarle in una forma visiva. Solo provando a farlo, indipendentemente dalle tendenze attuali nel mondo dell'arte, è l'unico modo per raggiungere una voce individuale che sia onesta e chiara. Per fare questo ci vuole coraggio soprattutto con la domanda odierna di realizzare un certo tipo di pittura che sia carina o che probabilmente venderà. Quindi immagino che la mia linea guida principale per giudicare questa categoria possa essere riassunta in questo: quale pittura / quale artista ha più coraggio, sia nella riflessione che nell'esecuzione.”
Nel guardare indietro ai lavori dei finalisti, Kassan li considerava "estremamente forti". Come tutti gli altri giudici, Kassan ha definito il processo difficile. "È stato sicuramente spaccare i capelli per scegliere tutti i vincitori", afferma. “La maggior parte degli artisti che sono arrivati alle finali sono praticamente tutti vincitori, in quanto erano tutti dei grandi dipinti, lavoro che gli artisti dovrebbero essere orgogliosi di aver realizzato. I pezzi verso cui tendevo a gravitare erano i pezzi più silenziosi e più introspettivi, poiché quella qualità è qualcosa che cerco sempre per il mio lavoro."
Perché Candice Bohannon's Grace (olio, 68 × 35) ha meritato il primo posto? "Questo dipinto ha coraggio", dice Kassan. “È un'immagine profondamente personale che è stata eseguita con grande abilità. C'è una premurosità interiore sul volto della ragazza, un pensiero spontaneo e felice a cui non possiamo evitare di reagire sorridendo a noi stessi. Nel frattempo lo sguardo sul suo compagno (il cagnolino) è più grave, così come l'ambiente che circonda le figure. È un dipinto molto avvincente e riflessivo."
Ricercato come insegnante, Kassan è perennemente in viaggio, ma trova ancora il tempo per fare il proprio lavoro. Il suo consiglio ai futuri concorrenti in questo o in qualsiasi altro concorso? “Invia il tuo lavoro più forte e personale che hai. L'opera più personale di un artista tende ad essere i dipinti che riflettono maggiormente chi è l'artista; le opere personali provengono da un luogo interno; riflettono il mondo intorno a quell'artista nel modo più individuale e onesto. Questi dipinti / disegni tendono anche ad essere i più forti tecnicamente perché sono dipinti che noi artisti desideriamo di più realizzare”.
M. Katherine Hurley: giurista per paesaggio / interni
Un collaboratore frequente del Pastel Journal e di The Artist's Magazine, M. Katherine Hurley ha girato diversi video didattici per ArtistsNetworkTV. Laureata in Belle Arti, Hurley ha continuato i suoi studi in Francia e in Italia e ha anche partecipato a seminari con il famoso artista Wolf Kahn. Per vedere altre sue opere, visita il suo sito Web all'indirizzo www.mkatherinehurley.com.
Parlando dei suoi criteri per giudicare le opere d'arte, in questo caso paesaggi e interni, Hurley afferma: “In primo luogo, prendo attenzione alla mia reazione iniziale a un pezzo. Cerco una composizione forte, un'armonia cromatica, una struttura di valore e una qualità di esecuzione, in altre parole, la maestria. Ero anche consapevole, nel fare la mia selezione, di rappresentare una varietà di media (olio, pastello, acquerello, acrilico, ecc.).
Nel commentare la competizione di quest'anno, Hurley afferma: “La qualità e la varietà erano eccellenti. È stato molto difficile scegliere 10 e soprattutto i primi tre. Ho assegnato il primo posto a Brett Allen Johnson's Reeds (olio, 25 × 38) perché ha tutte le qualità che cerco in un pezzo. Ha anche un mistero, una prospettiva aerea intrigante, elementi di astrazione e una tavolozza di colori tonali che erano tutti molto attraenti."
Per quanto riguarda le parole di saggezza per i futuri concorrenti? Hurley è conciso: “Non mollare mai. Credi in ciò che fai e lavora per migliorarlo."
Donna Watson: giurista per abstract / sperimentale
Donna Watson è membro della American Watercolor Society e della National Watercolor Society. Ha vinto numerosi premi in mostre nazionali giurate e premi per i migliori spettacoli. Il suo lavoro di artista e scrittrice è apparso sulla rivista American Artist, su The Artist's Magazine, sulle riviste Watercolor e Watercolor Artist. I suoi collage si trovano in Masters: Collage: Major Works di Leading Artists (Lark Books, 2010). Inoltre, tiene seminari sull'arte del collage e dell'acquerello. Visita il suo sito Web per leggere il suo blog e vedere cosa sta facendo a donnawatsonart.com/Home.html.
Cosa è stato importante per Watson nel valutare le opere dei finalisti? "I principi del design, in particolare quelli che governano il movimento, l'armonia, il ritmo e l'unità", afferma. Era anche in sintonia con gli elementi concettuali di un pezzo astratto. Alla fine, è stata attratta da quello che lei chiama "mistero". Del vincitore del Primo Posto, Modern World 9 di Glenn Kessler (olio, 24 × 36), dice: "Questo dipinto è intrigante. L'immagine / gli oggetti sono sfocati, il che mi obbliga a continuare a guardare. La mia immaginazione è impegnata a cercare di capire cosa sta succedendo."
Sadie J. Valeri: giurato per Still Life / Floral
La collezione di bottiglie di Sadie J. Valeri ha vinto il primo premio in Still Life nel salone internazionale dell'Art Renewal Center del 2010. Il suo lavoro è apparso su The Artist's Magazine come soggetto di un lungometraggio (data) e come colonna in due parti del Tavolo da disegno. Si è laureata alla Rhode Island School of Design con un BFA in Illustrazione nel 1993. Oltre al suo blog, Sadie ha anche fondato e lanciato WomenPaintingWomen.com, un sito web che mostra il lavoro di pittori figurativi di donne viventi.
Sadie ha insegnato a studenti universitari presso l'Accademia di Belle Arti di San Francisco e ora offre seminari e lezioni private nel suo studio del Mission District di San Francisco. Vive nel quartiere di Cole Valley a San Francisco.
Le linee guida utilizzate da Valeri per giudicare le opere nella categoria Natura morta e fiori erano semplici ma inusuali, poiché sottolineavano l'individualità e l'emozione: "Mi pongo queste domande", dice. “Ho la sensazione che l'artista abbia un amore per l'argomento? Sento che l'artista ha un amore per la pittura? Ho la sensazione che l'artista abbia indagato sull'argomento? Il soggetto mette in discussione, commenta o allunga l'idea tradizionale di natura morta o floreale? C'è facilità e fiducia nella tecnica e anche prove che l'artista si sta sfidando?”
Nel commentare le opere che ha visto, afferma, “la sua qualità era estremamente alta ed era difficile restringere le selezioni. Sono stato colpito da ogni singolo finalista, ed è stato solo con rammarico che ho eliminato qualsiasi dipinto. Ho dovuto fare delle scelte difficili, ma è stato un vero piacere guardare un gruppo di lavoro così stimolante”.
"In the Light of Life è chiaramente un'esplorazione del colore all'interno di un soggetto bianco, e sarebbe un'esplorazione magistrale solo su quel merito", afferma Valeri dell'opera al primo posto di Jeffrey T. Larson. “Ma il design avvincente della composizione, l'introduzione di soggetti naturali complessi (piante e uccelli), in contrasto con il modello a griglia vicina degli oggetti artificiali - e la gestione abile dei problemi di prospettiva - rendono questa immagine sbalorditiva. Le uova blu, l'uccello giallo e la ceramica rossastra sembrano fare riferimento ai colori primari dello spettro, da cui si mescolano tutti gli altri colori. Questo dipinto parla del colore e lungo la strada dice anche molto di più”.
Infine, Valeri offre consigli ai futuri concorrenti: “Concentrati sulla tua ispirazione, divertiti nel processo senza preoccuparti del risultato finale, preparati per il successo, ma accetta anche nuove sfide e mira a far sì che ogni opera d'arte sia migliore di qualsiasi altra cosa l'hai mai fatto. Se l'artista si concentra su queste cose, la sua opera attirerà l'attenzione. Non concentrarti sui concorsi; concentrarsi sulla realizzazione di grandi dipinti e il resto si prenderà cura di se stesso."
Koo Schadler: Juror for Animal / Wildlife
Koo Schadler si è laureato alla Tufts University con una laurea in storia dell'arte. Dopo aver viaggiato in tutta Europa, si stabilì a Firenze, in Italia, dove persegue studi di storia dell'arte e pittura. Al suo ritorno negli Stati Uniti, si trasferì in California dove Chester Arnold al College of Marin la introdusse alla tempera all'uovo. Schadler è un maestro pittore della The Copley Society di Boston, redattore di The Artist's Magazine e membro del consiglio della Society of Tempera Painters. Per vedere di più del suo lavoro e per trovare il programma del suo seminario, visitare www.kooschadler.com.
Per quanto riguarda i criteri che ha usato per giudicare i dipinti, ha questo da dire: "Ho cercato un forte design visivo nell'immagine complessiva - lavoro che fosse avvincente, eccitante e un piacere da guardare". Schadler afferma la verità che i criteri per giudicare qualsiasi opera è coerente con i criteri per giudicare questa categoria: "Inerenti agli animali sono molti degli elementi del linguaggio visivo dell'arte", dice, "per esempio, modelli, trame, contrasti di valore, geometria, ecc. I ha cercato un'opera in cui l'artista fosse attento a quegli elementi. "Schadler continua, " Sono anche attratto dagli animali per la loro natura, spesso un mix contraddittorio di innocenza e astuzia! Ho cercato dipinti in cui l'artista ha catturato la natura dell'animale - il suo sentimento, la sua vita, la sua personalità, per così dire. "In concerto con gli altri giudici, Schadler ha notato l'artigianalità:" Ho apprezzato ", dice, "Lavoro che ha mostrato competenza nel mezzo scelto dall'artista."
Schadler, che da molti anni ha vinto premi nei concorsi annuali di The Artist's Magazine, ha detto questo sull'esperienza di essere dall'altra parte del tavolo: “Ho seguito il concorso di The Artist's Magazine per molti anni. Sono regolarmente ispirato e rallegrato dalla qualità del lavoro che appare nel numero annuale dei vincitori. Quest'anno, come giudice, ho avuto il privilegio di vedere il lavoro di ogni finalista nella categoria Animali / Fauna selvatica. L'arte era diversa, costantemente espressiva e ben realizzata."
Cosa distinse il tessuto del mulino di Michael Dumas - House Sparrows (olio, 6, 75 × 7, 25) da così tante opere eccellenti? "In Mill Cloth - House Sparrows, il pittore ha bilanciato una rappresentazione convincente di soggetto con un potente disegno astratto", afferma Schadler. “Gli elementi visivi sono magnificamente orchestrati: una gamma drammatica di valori, un potente ammasso di luci e ombre, relazioni eccitanti tra colori caldi e freddi, forti forme positive e negative. All'interno di tutta questa bellezza organizzata, il pittore è riuscito a descrivere la qualità del tessuto pesante del mulino, la sensazione atmosferica di sfondo e ombra e la natura dolce e timida degli uccelli (così come la loro bella geometria e motivi). Infine, l'abilità tecnica dell'artista nel mezzo della pittura ad olio è evidente. In breve, tutti i miei criteri sono stati soddisfatti!"
Quando le è stato chiesto se avesse qualche parola di saggezza per i futuri concorrenti, "Schadler ha risposto:" Il pittore Cennino Cennini (1370-1440) scrisse nel Manuale dell'artigiano che prima di iniziare un'opera d'arte, "Inizia ad adornarti con questi abiti: l'amore, riverenza, obbedienza e costanza. L'amore, un sentimento di entusiasmo per il tuo mezzo, metodo di lavoro, materia, è essenziale per fare arte. È l'amore che ti porta in studio, sia nei giorni buoni che in quelli cattivi. La riverenza e l'obbedienza ti aiutano a rimanere concentrato e attento nel tuo lavoro. L'attributo finale che Cennini raccomanda è la costanza, a volte tradotta (dall'italiano) come perseveranza. 'Genius inizia grandi opere; solo il lavoro li finisce 'è un'altra citazione stimolante, dello scrittore francese Joseph Joubert (1754-1824). Afferma l'importanza di essere risoluti; la necessità di perseverare nonostante l'inevitabile ostacolo per avere successo come artista. Il mio consiglio per i futuri concorrenti è: ascolta Cennini! Avvicina ogni disegno e dipinto con le sue parole di saggezza. Inoltre, sii coraggioso. Non pensare a cosa potrebbe piacere a un giudice o vincere un premio. Fai un lavoro che sfida, ispira e ti eccita."
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