Il pittore a olio Matthew Mitchell adatta il metodo di lavoro di Rembrandt per i suoi ritratti mettendo in luce gli americani che ricoprono ruoli civili o militari in Iraq e in Afghanistan.
di Karen Frankel
Alexander Scott Arredondo 2005, olio su lino, 30 x 26. Tutte le opere d'arte questa raccolta di articoli 100 Faces of War Experience Project. |
Qualche anno fa, l'artista del Massachusetts Matthew Mitchell stava lavorando come illustratore e dipingendo alla prima in olio per piacere quando ha determinato due cose: in primo luogo, che i vetri e lo scumbling offrono l'opportunità di aggiungere più profondità a un ritratto, e in secondo luogo che “I ho scoperto di essere molto felice quando sono stato in grado di ridurre un'illustrazione essenzialmente al volto di qualcuno.”Queste due idee si intersecarono nel progetto attuale di Mitchell, 100 Faces of War Experience, un'impresa pluriennale che alla fine comprenderà 100 ritratti di persone che hanno viaggiato dall'America in Iraq o in Afghanistan per svolgere un ruolo civile o militare durante le recenti guerre. Mitchell ha concepito l'idea per questo progetto senza scopo di lucro nel 2005, e fin dall'inizio ha cercato di enfatizzare l'importanza di alcune idee tradizionali nella ritrattistica, inclusa la scala dei pezzi. "I dipinti sono realizzati a grandezza naturale", afferma Mitchell. "Il punto centrale dello spettacolo è rendere presente una personalità sia attraverso le parole scritte dai soggetti che attraverso i dipinti: ogni ritratto deve sempre essere accompagnato dalle parole presentate dalla persona nella foto."
I ritratti di Mitchell si basano, in gran parte, sulle tecniche di Rembrandt. Dopo aver trascorso due anni a guardare una riproduzione dell'autoritratto di Rembrandt del 1669, Mitchell si rese conto di non essersi mai disincantato con l'espressione della scrittrice o del dipinto stesso. Questo gli fece venire voglia di scoprire come funzionava il maestro olandese e la più grande lezione appresa fu l'importanza dei livelli. Le forme di Rembrandt sono state costruite usando molti livelli e Mitchell afferma che gli stessi livelli erano ciò su cui Rembrandt si stava concentrando. Questa idea eccitò Mitchell perché stava dipingendo bagnato su bagnato e abbattendo direttamente i suoi colori. La stratificazione degli smalti ha offerto nuove sfide. Ad esempio, poiché il colore originale può essere smaltato più volte, "concepire il colore diventa davvero complicato", spiega Mitchell. "Devo pensare a come sarà influenzato dagli strati successivi per ottenere il colore che desidero nella fase finale." Rembrandt ha utilizzato sia gli strati sottili di una glassa sia gli strati spessi della tecnica dell'impasto, che anche fortemente influenzato il modo in cui ha ottenuto il colore desiderato. Mitchell segue lo stesso processo. "Poiché rimescolo l'impasto con l'estremità del mio pennello in modo che lo spettatore possa vedere fino al livello sottostante, devo pensare a quanto colore verrà rivelato, nonché a quali smalti colorati andranno in cima a questo spesso strato."
Steve Mumford 2007, olio su tela, 30 x 26. |
La tavolozza di Mitchell si basa sui suggerimenti di Michael Wilcox, che ha scritto diversi libri sul colore. Mitchell utilizza sia una versione calda che una fresca dei colori primari, in particolare blu ceruleo e blu oltremare, rosso quinacridone e rosso cadmio, giallo cadmio e giallo Hansa. "Non avrei mai trovato Hansa giallo senza Wilcox", afferma Mitchell. "È un ottimo mix di giallo." Sienna bruciata, terra d'ombra bruciata, giallo ocra, nero lampada, nero avorio e bianco titanio completano la sua tavolozza. Lavora su tele 26 "-x-30" per ritratti in modo che le sue raffigurazioni possano essere a grandezza naturale.
Sebbene a Mitchell piaccia lavorare dalla vita, i suoi dipinti per il progetto 100 Faces sono di solito realizzati con fotografie. "Quando incontro le persone per il progetto, ci sediamo e lascio che parlino di chi sono e di qualunque altra cosa", spiega. “Alla fine della sessione, chiedo loro di alzarsi in modo da poter scattare una foto. Il risultato è una specie di candore nella fotografia, qualcosa di insolito.”Mitchell stampa immediatamente le foto in modo da poter aggiungere le sue impressioni dalla conversazione alle immagini.
|
Prepara la sua tela con il gesso e quindi esegue una pittura di fondo. L'artista ricopre la superficie con una miscela di un po 'di blu ceruleo e un grigio, risultando in un tono medio su cui può disegnare usando una miscela blu-grigia più scura o un'ombra. Poiché i ritratti in 100 volti sono molto semplici, li compone direttamente sulla tela. "La tecnica che sto usando permette molti cambiamenti sottili mentre costruisco i livelli, quindi, se voglio, posso riorganizzare un po 'le cose", dice.
Carso di Tanya 2005, olio su tela, 30 x 26. |
Dopo aver dipinto le basi della testa, Mitchell applica uno spesso strato di impasto in colori molto luminosi. "Questi sono i colori che di solito puoi vedere nei volti delle persone", spiega l'artista. “Ci sono rossi nelle guance e nel naso e diversi rossi nelle labbra. I gialli intorno alle aree dell'orbita e il blu ceruleo intorno alla fronte sono generalmente visibili. Sebbene ci siano molte varianti di quei colori nei volti di persone diverse, puoi contare sul fatto che alcuni di essi sono presenti in ogni faccia.”Mentre crea l'impasto, la vernice spessa inizia a definire le forme del viso. Mitchell lascia alcune sezioni, come gli occhi e le parti delle guance, lisce. Mette un essiccatore, come Liquin, Galkyd o olio di semi di lino con manganese, nell'impasto in modo da poter iniziare a scolpirlo il giorno successivo. Usando una spatola o l'estremità opposta di un pennello, l'artista ritorna nell'impasto, raschiando via la vernice. Mitchell sottolinea che la scultura crea una trama in cui i punti salienti possono risaltare - letteralmente. Le aree rialzate nella pittura catturano la luce.
La scultura rivela anche il terreno e dà un senso di pori alla pelle. "C'è una direzione o un flusso verso la pelle delle persone e provo a creare un senso dello spazio lavorando con quello", dice. Quando lo strato di impasto è completamente asciutto, Mitchell glassa il dipinto con una sottile miscela di terra d'ombra bruciata, quindi rimuove con giudizio la glassa. "Il colore della glassa riposa nei pori, nella trama della vernice", dice. “Questo è qualcosa che vedi molto nel lavoro di Rembrandt e dei suoi contemporanei: mettono uno smalto sulle cose e poi strofinano selettivamente la superficie. Il risultato è in un sottile senso che quelle parti si stanno facendo avanti."
Scott Palmer 2005, olio su tela, 30 x 26. |
Per gli spettatori neri, Mitchell usa un'ulteriore glassa di viola per catturare le sfumature viola delle loro carnagioni. Tratta la glassa viola allo stesso modo della glassa d'ombra: pulendola e poi pulendola in alcuni punti.
Quando la verniciatura è completa, e prima di indossare i colori finali della carne, Mitchell disegna le ombre più scure, il buio delle narici e la linea della bocca. "Dipingere gli oscuri prima dei toni finali della carne è importante perché l'aspetto dello scumble - il trascinamento della vernice leggera sulla vernice scura - è un altro modo per aggiungere un senso di stratificazione", afferma l'artista. "Questo crea il senso delle cose che salgono dal basso che vedi nei vecchi ritratti."
L'artista dipinge i toni della carne finale molto leggermente. "Di solito c'è un po 'più di vetro nelle aree di carnevale in cui avrei potuto dipingere troppo brillantemente, in aree in cui voglio retrocedere un po', o in cui voglio avere un po 'di una dominante di colore diverso", dice. Mitchell dipinge negli ultimi momenti salienti - i bianchi più bianchi che può usare sul viso - quando ha quasi finito.
Nicholas B. Chavez 2005, olio su tela, 30 x 26. |
Mentre aspetta che la vernice si asciughi sul viso, l'artista spesso inizia a lavorare sul resto del dipinto; può usare una variante della sua tecnica di stratificazione anche su altre sezioni di un dipinto. In Lyle Phipps, ad esempio, ha fatto una verniciatura completa della maglia. "Ho iniziato la camicia con bianchi e grigi molto leggeri", spiega. "Poi ho leggermente glassato sopra di esso con ombre e colori diversi per far risaltare le ombre." Successivamente, ha spazzato via lo smalto, quindi solo un po 'di vernice riposava in alcune parti del lavoro. La maglietta di Lyle è stata completata in soli tre strati, a differenza dei nove o 10 strati necessari per alcune parti della testa.
Mitchell impiega circa una settimana per dipingere un ritratto; di solito sta lavorando su diversi contemporaneamente. "Lavoro circa un'ora e poi passo a un altro", spiega. Il programma intenso è un lavoro d'amore. "Ho sempre voluto essere un artista", afferma Mitchell. “È sempre stato fondamentale nella mia mente disegnare e dipingere. Essere in grado di farlo sembrava la cosa migliore del mondo, per tutto il tempo che posso ricordare.”
Informazioni sull'artista
Matthew Mitchell vive e lavora ad Amherst, nel Massachusetts. Dipinge al secondo piano di una stalla nella sua proprietà; sua moglie, illustratrice Rebecca Guay-Mitchell, ha il suo studio al primo piano. Originario del Minnesota, Mitchell ha trascorso un anno a studiare biologia / illustrazione premediale presso la Iowa State University, ad Ames, prima di frequentare il Pratt Institute, a New York City. Dopo la laurea, ha collaborato con l'artista Perre DiCarlo e i giardinieri della comunità locale per costruire un anfiteatro in pietra nel Lower East Side di Manhattan. Ha poi lavorato come ebanista e saldatore, dipingendo nel suo tempo libero. Ha poi lavorato come illustratore per 10 anni prima di scegliere di dipingere ritratti nel 2004. Per ulteriori informazioni su Mitchell, contattalo tramite il sito Web del progetto 100 Faces all'indirizzo www.100facesofwarexperience.org.