La linea esiste da molto tempo. Sin dalla preistoria, quando quel primo artista raccolse un pezzo di cenere di legno da un falò speso e delineò una mano sul muro della caverna, le linee descrissero forme di ogni tipo: umane, animali e paesaggistiche. Di per sé, la linea è una forza molto potente. Una linea può rappresentare la semplice sagoma di una forma e le sue dimensioni interne più complicate. Se utilizzato in modo tratteggio, può persino simulare il valore. E quando unito a toni più morbidi e macchiati noti come masse di valori, hai una forza inarrestabile combinata, tranne, forse, da una buona gomma.
di Dan Gheno La linea esiste da molto tempo. Sin dall'epoca preistorica, quando quel primo artista raccolse un pezzo di cenere di legno da un falò speso e delineò una mano sul muro della caverna, le linee descrissero forme di ogni tipo: umane, animali e paesaggistiche. Di per sé, la linea è una forza molto potente. Una linea può rappresentare la semplice sagoma di una forma e le sue dimensioni interne più complicate. Se utilizzato in modo tratteggio, può persino simulare il valore. E quando ti unisci a toni più morbidi e macchiati noti come masse di valore, hai una forza inarrestabile combinata - tranne, forse, da una buona gomma.
Alcuni artisti sosterranno che puoi rendere in modo più efficace la figura umana o le immagini astratte con la sola valorizzazione del valore, che tutto ciò che puoi fare con la linea, puoi fare con tonalità chiare e scure. Questo è vero. Alcuni dei disegni più suggestivi si basano infatti solo sul valore. Ma al suo interno, tutte le forme tonali finemente osservate sono legate da un "bordo" implicito, o linea concettuale, anche se esiste solo inconsciamente nella mente dello spettatore. Personalmente, sono entusiasta della combinazione esplicita di linea e massa nel mio lavoro. Come spiegherò in questo articolo, perché non usare entrambi? Per prima cosa descriverò come usare la linea da sola. Più tardi ti mostrerò come unire entrambi in una partnership dinamica. Punto e linea al pianoLa prima riga inizia silenziosamente sulla pagina come punto. Quindi, per prendere in prestito liberamente il titolo del libro di Wassily Kandinsky, Point and Line to Plane, questo potente segno o punto si trasforma in una linea e infine, nelle mani di un artista esperto, si trasforma in un piano volumetrico. Variando lo spessore, l'oscurità e la trama della linea, puoi simulare un movimento dentro e fuori dalle forme umane, specialmente se lasci che le linee si incrociano, scavando oltre i bordi esterni della figura, nelle sue vette e vallate interne. A seconda del soggetto o delle tue intenzioni estetiche, puoi usare linee taglienti come filo, linee ruvide come Brillo o linee così morbide da fondersi con la carta circostante. Le linee possono variare dalla direttività dei contorni spesso non modulati di Egon Schiele, allo pseudo-pennello di un Anders Zorn o Charles Dana Gibson, alla qualità sinuosa e incisiva di Dürer. A seconda di come applichi la matita alla carta, le linee possono avere un aspetto emotivo e psicologico e mostrano quasi sempre una sorta di proprietà visiva e ritmica nel modo in cui ballano intorno alla pagina. Tuttavia, non commettere l'errore comune di pensare che la linea non sia altro che una preoccupazione concettuale. Durante tutto il processo di disegno, la qualità della linea è fortemente influenzata dalla scelta dei materiali, dalla trama della carta, dagli strumenti di disegno, dalla nitidezza e dal modo in cui li tenete in mano. Ad esempio, preferisco iniziare i miei disegni con linee lunghe, ampie e leggermente piegate, un compito impossibile se tengo la matita o il gesso tra il pollice e l'indice come quando scrivo una lettera. (Questa posizione della mano funziona magnificamente quando si abbozza nei dettagli finali, specialmente se sostenuta da un mahlstick o da un piccolo pezzo di carta pulito separato sotto la mano del disegno.) Invece, quando inizio, giro il dorso della mia mano sul foglio (vedi Fig.1, a sinistra), tenendo liberamente la matita verso l'estremità del fusto e inserita tra il pollice, il palmo e l'indice. Cambio spesso la posizione della mia mano a seconda della direzione prevista della linea: se sto disegnando verso il basso, tengo la matita dal basso, permettendo alla gravità di guidare saldamente la discesa della mia mano (Fig.2); Tengo la matita dall'alto se disegno verso l'alto (Fig.3). Entrambe le posizioni consentono un maggiore movimento della spalla e del gomito, attribuendo minore importanza alle azioni frastagliate del polso e delle dita. Puoi anche ottenere una linea sottile e pulita quando disegni con la direzione della matita, influenzata solo dalla rugosità della carta o dalla morbidezza dello strumento di disegno. Ma nota quanto facilmente puoi variare lo spessore della linea quando cambi improvvisamente direzione, diciamo, dalla verticale all'orizzontale (Fig.4). Quando si disegna con lo stelo del piombo, anziché la punta, quella linea sottile diventa improvvisamente spessa. Mentre ti fai strada tra i dettagli della figura, troverai che la tua linea fluttuerà automaticamente con la direzione della tua mano e della matita. Linea puraPuoi dire molto anche con un minimo di righe. Quando si lavora dalla vita, è possibile suggerire una figura umana completamente formata con una semplice linea secca solo osservando e mappando attentamente il
bordi esterni del modello. Osserva attentamente il tuo soggetto, come fa Egon Schiele in Nudo disteso con il busto sollevato, che traccia le sottili variazioni delle forme esterne. Ogni protuberanza suggerisce un po 'di ossa o muscoli. Puoi certamente distorcere le proporzioni della figura o esagerare la sua prospettiva come fa Schiele con il suo disegno della donna che si lancia in avanti nel piano dell'immagine, ma prova a rispondere candidamente e direttamente alle forme esterne. I tuoi spettatori percepiranno quindi i volumi all'interno, in base all'esperienza e alla conoscenza istintiva dei propri corpi. ChiusuraNon è necessario avvolgere le figure con un contorno continuo, rigido e audace. Puoi creare un senso di chiusura più profondo segnando i bordi delle forme umane più piccole con linee intermittenti, come a volte facevano Cézanne e Degas. Lavorando in questo modo, puoi adottare un approccio minimo: ad esempio, puoi contrassegnare la radice, la base e la punta del naso e lo spettatore intuirà il resto della linea. Ma se sei interessato a simulare la forma, non ridurre troppo il numero di righe. Dovresti almeno inserire un accenno di linea in punti alti e bassi importanti lungo il perimetro di un oggetto e dove una sottomaschera importante ne incrocia un'altra. Se non lo fai, il disegno apparirà incompleto o stranamente vuoto in alcuni punti. Linee sovrapposteSebbene la forma esterna sia importante e, come sembra suggerire Platone nella sua teoria della forma ideale, è essenziale per l'identità e il riconoscimento dell'oggetto stesso, alla fine abbiamo bisogno di viaggiare all'interno della figura con le nostre linee. È difficile o impossibile per l'artista principiante farlo quando lavora dalle foto, ma mentre lavori dalla vita, vedrai come le forme si sovrappongono continuamente, come quando il collo scivola sopra e sopra la spalla o il deltoide scorre davanti l'osso del colletto e le zeppe nella parte superiore del braccio. Nel mio disegno Arm Swinging Back, nota come ho variato lo spessore e il valore della linea per simulare il gonfiore delle forme sottostanti, in particolare nelle gambe. Inoltre, osserva come ho rappresentato la transizione del polpaccio sinistro nella parte superiore della gamba, con le forme "sovrapposte", come lo definiscono gli scultori, rappresentate da linee sovrapposte. Tuttavia, non diventare dogmatico. Nota come utilizzo queste tecniche in modo discriminante. Ho sottolineato l'oscurità della linea lungo la spalla vicina in modo che la spalla lontana resa più debole potesse retrocedere. Anche se il gomito vicino è più vicino allo spettatore rispetto alla spalla, ho scelto in modo selettivo di enfatizzare i punti ossei sovrapposti del gomito anziché l'intera forma sporgente del braccio per evitare che sembrasse rigidamente chiuso. Sentivo che le linee del gomito erano appena scure e abbastanza nette da portarlo davanti alla mano che si allontanava. schiusaA molti artisti piace adottare un approccio topografico e di tratteggio per i loro lavori di linea, come nei disegni di Albrecht Dürer. Puoi imparare molto guardando il lavoro di questo artista del Rinascimento settentrionale. In Testa di apostolo, vedi come intreccia la sua linea attorno alle forme, usando tratti più lunghi e gradualmente curvi sulla forma più morbida e arrotondata della testa complessiva. Nel frattempo, usa tratti di tratteggio più brevi, che si alternano in direzione, per descrivere le forme più piccole e più angolari delle rughe e dei punti di riferimento ossei. Osserva come si sovrappone le linee in modo graduato nei dettagli; non mette mai a strati il tratteggio in modo tic-tac-toe, ad angolo retto. Di solito, un tratto conduce gradualmente nell'altro e, come nel momento saliente reso in linee bianche, il tratteggio può assumere un aspetto quasi a spirale. In un altro esempio, osserva come la profondità delle linee di Michelangelo varia notevolmente e sembra diventare più scura e più intensa quando si fondono attorno ai punti accentati dei muscoli ossei e duri sulla figura in Studio di un nudo maschile. Se reso con penna e inchiostro, i suoi accenti non solo sembrano diventare più scuri, ma sembrano anche avere un aspetto quasi lucido, brunito. Prova a passare un po 'di tempo a studiare o copiare vecchie incisioni, come dovevano fare gli studenti dell'Accademia di Francia nel XVIII e XIX secolo. È anche utile studiare artisti di fumetti come Neal Adams o Mort Drucker per i loro metodi di intreccio uniformemente intrecciati. Ciò attirerà il tuo occhio sulla sfumatura della linea e ti aiuterà a sviluppare una sottigliezza e una sintassi per la tua tecnica di schiusa. Ma non esagerare e non diventare schiavo di fantasiosi progetti pirotecnici. Quando lavori dalla vita, trascorri almeno tanto tempo a guardare il modello quanto a rendere le linee. Altrimenti, il tuo disegno apparirà semplicistico e stilizzato, avvolto in una massa contorta di filo spinato o ciò che un artista e influente scrittore di tecniche artistiche del XIX secolo, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, chiamava "studi miserabili" e "un po ' assurda pazienza di quegli individui che … imitano esattamente lo strumento dell'incisione "invece della natura. Secondo lo storico dell'arte Albert Boime, gli insegnanti dell'Accademia di Francia si lamentavano spesso della tendenza dei loro studenti avanzati a disegnare in questo modo, inconsapevoli del fatto che la loro prima enfasi sulle copie incautamente delle copie "favoriva l'aspetto freddo e senza vita che l'Accademia stessa criticato." La fusione di linea e massaPer contrappunto a questo approccio rigoroso, dai un'occhiata ai disegni di Charles Dana Gibson,
reso con tratti intrecciati più morbidi, più ampi e più sciolti. Insieme a diversi artisti e illustratori in questo periodo tra i secoli, Gibson ha cercato di emulare l'effetto fluente e pittorico della valorizzazione del valore con la sola linea. Anche se molte delle sue linee curve e parallele sembrano seguire i volumi dei suoi soggetti, il suo obiettivo sembra meno la sensazione tattile della forma perseguita da Dürer e più un tentativo di mostrare gli effetti ottici della luce sulla struttura. Osserva come Gibson crea in modo evocativo sfumature di luce e buio variando la vicinanza e il numero di linee di tratteggio per indicare la variazione di valore. Applica una delicata trama di linee sottili alla carta quando rappresenta le forme più morbide che sembrano essere gradualmente più scure quando si allontanano dalla fonte di luce. Usa una maggiore quantità di linee più dure quando indica le forme più dure che si allontanano bruscamente dalla luce e si trasformano drammaticamente in masse d'ombra più scure. Non è facile disegnare con l'inchiostro, ma è un ottimo modo per accelerare il processo di apprendimento. Non puoi fare errori con la penna e l'inchiostro, quindi impari rapidamente a osservare e scegliere le tue linee con saggezza. Ci sono molti strumenti da scegliere per questa tortura; dovresti provarli tutti fino a trovare quello che fa per te. La generazione Gibson utilizzava pennarelli flessibili e pennelli sottili a punta di sabbia per dominare le loro eleganti linee spesse e sottili. Van Gogh ha realizzato alcune delle sue penne rudimentali ma efficaci con canne e piume comuni. Oggi abbiamo anche una vasta gamma di penne stilografiche e persino pennelli stilografici per eliminare parte del tormento dal processo. Nei miei primi anni disegnavo con entrambi, ma ora trovo che anche una penna a sfera abbia i miei scopi. Alcuni marchi contemporanei di penne a sfera sono inclini a incidenti frustranti e macchiati, ma se provi abbastanza produttori diversi, ne scoprirai alcuni che offrono una linea sensibile e affidabile. Troverai una penna a sfera abbastanza utile mentre sei in movimento, quando vuoi un aspetto fluido, abbozzato o quando vuoi indicare una massa di grande valore attraverso la pagina con un gruppo di linee rapidamente tratteggiate. Linee come massaSe si accumulano abbastanza linee sottili e finemente tratteggiate sul disegno, è possibile creare l'aspetto di una forma tonale morbida, "senza linea" se osservata a distanza. Mi piace combinare linee audaci con queste linee di tratteggio più delicate. A volte uso volutamente la trama a righe parallele della carta vergata per migliorare questo effetto, permettendo alla mia matita di spostarsi su e giù con la direzione della grana, come ho fatto in Figura seduta. In alcuni casi, applico un po 'di tono sulla carta ruvida con un moncone in modo che il contrasto tra le creste e le grondaie della carta non sia troppo stonante. Nella maggior parte dei casi, provo a trovare una fusione di linea con tono, mirando a una graduale transizione del disegno al tratto in massa di valore puro. Più mi muovo in questi passaggi morbidi, più indietro afferro la matita sull'involucro. Trovo più facile controllare la pressione della mia linea con la mano in questa posizione elevata, permettendomi di accarezzare con un movimento di arcata sempre più ampio. In questi momenti, tengo la matita così delicatamente che spesso cade dalla mia mano. Ci vuole molta pratica per manipolare la linea in massa di valore tonale. Se hai appena iniziato, prova la qualità della tua linea il più possibile. Anche mentre guardi la televisione, puoi estrarre un pad e tracciare ripetutamente linee in piccoli campioni quadrati, testando diverse posizioni delle mani e variando la pressione. Prova ad esercitarti a fondere le tue linee. Esegui delicatamente linee parallele tra loro, stratificandole sempre più vicine fino a farle sembrare quasi sparire. Quindi prova a disegnare linee nella direzione opposta su questo stesso campione per ottenere ancora più sottigliezza e sfumare la linea in massa. Se sei un artista avanzato, è ugualmente consigliabile tenere a portata di mano un pezzo di carta in più durante il disegno, in modo da poter testare la pressione della mano o provare un tono complicato prima di posizionarlo sul disegno finito. Media bagnatiIl metodo dell'inchiostro e del lavaggio è un altro strumento efficace nella nostra ricerca per unire linea e massa e, a causa della sua somiglianza tecnica con il mezzo acquerellato, funge anche da utile ponte tra le categorie artificiali di disegno e pittura. Osserva come sia Giambattista Tiepolo con La Sacra Famiglia sia Jean-Baptiste Greuze con La donna che abbraccia un vecchio disteso corrono lavaggi di valore tra le loro composizioni, unendo le loro figure a masse di valore più grandi, astratte dal punto di vista pittorico. Notate anche come le linee più difficili a volte si sciolgano nel lavaggio umido, trasformandosi in accenti più morbidi e sfumati. Prova questo nel tuo lavoro, usando inchiostro solubile in acqua. Spesso, non è nemmeno necessario utilizzare un lavaggio di accompagnamento: è possibile utilizzare un pennello caricato con acqua per trascinare un po 'di inchiostro fuori dalla linea e creare un modello di valore sovrastante.
La massa a volte può dominare un'immagine in modo tale che la linea può sembrare una semplice aggiunta al suo partner, che serve ad accentuare gli oscuri più profondi o le luci più luminose, o semplicemente contenere i bordi esterni in alcuni punti. Anche se usato con parsimonia, come cerco di fare nella maggior parte dei miei disegni (vedi Twisted Torso), la linea è ancora indispensabile per il mio lavoro. Ma ricorda che una piccola riga fa molta strada. In questo rapido schizzo di cinque minuti, ho limitato la maggior parte del mio lavoro di linea alle forme periferiche, sovrapponendole e variando il loro peso per rinforzare le forme interne e interconnesse. Ho cercato di non disturbare il flusso delle gradazioni di valore all'interno, ma in alcuni punti ho aggiunto alcuni tratti per accentuare alcuni dei punti ossuti acuti e le aree di profondo sollievo in cui l'azione indurisce i muscoli. Mi sono ritirato dalla massa tonale alle estremità del busto, contando sulle restanti linee solitarie per facilitare la figura nella carta nuda. Il potere della linea e della massa non si esaurisce con la rappresentazione scultorea e gli effetti naturali della luce sulla forma umana. Possono svolgere una funzione di progettazione come nell'esempio precedente o, come nel disegno di Charles LeBrun, in cui la linea e la massa si dissolvono ritmicamente dentro e fuori dalla pagina vuota. La massa e la linea del valore diventano quasi un'unità astratta in alcuni dei disegni di inchiostro di Isabel Bishop. È difficile dire dove finisce la forma e la calligrafia inizia nella sua Soda Fountain. Ha anche usato audaci linee ibride e segni di forma in molti dei suoi dipinti, a volte sovrapponendoli in un modo disincarnato che rafforza l'essenziale planarità e il potenziale formale della tela o della carta. Non dovremmo nemmeno ignorare completamente le altre risorse concettuali di questi tratti contrastanti. Notare come Fragonard sfrutta le loro capacità sia emotive che espressive in The Pacha. Conosciuto per il suo uso rubenesco del colore e della pennellata animata, si avvicina al disegno con uguale entusiasmo, qui trascinando rapidamente un pennello sulla sua carta testurizzata in una scrittura appassionata e disperata, e lì riempiendo la pagina con un modello quasi moderno e ripetuto di segni grezzi. L'uso della linea nella pitturaL'uso della linea non è limitato al regno della carta e del disegno. Anche molti artisti incentrati sulla massa usano la linea per iniziare i loro dipinti. Inizio spesso le mie tele con un vago schizzo a carboncino.
Quindi riconferma e costruisco sulle mie prime linee di carbone con la vernice, di solito un blu o alizarina cremisi permanente. Diluisco la vernice con molto solvente in modo che il colore scorra liberamente, come l'inchiostro. Grazie alla forte percentuale di solvente, le linee verniciate si asciugano rapidamente, generalmente entro 5-20 minuti. Questo mi dà molta libertà, permettendomi di entrare subito nel processo di pittura. Se penso di aver perso il controllo del disegno, posso rimuovere alcuni dei livelli superiori per recuperare il disegno originale di seguito. Ma fai attenzione quando usi questo approccio. La pittura ad olio diventa trasparente nel tempo ed è necessario evitare di disegnare con una linea estremamente scura, soprattutto se si dipinge in strati sottili. A volte uso le linee per ridisegnare un dipinto in corso, cambiando in un nuovo colore ogni volta che faccio una revisione in modo da poter confrontare le mie modifiche con l'incarnazione precedente. Lo faccio sporadicamente nel mio lavoro disegnato, come Multicolored Figure, solo per divertirmi - penso che sia anche abbastanza interessante documentare il percorso di scoperta, con ogni decisione o regolazione registrata da un colore diverso. Anche quando disegno nel mio modo normale e monocromatico, non cancello mai i miei "errori" fino a quando non ho scritto una possibile soluzione. È più facile fare una revisione su entrambi i supporti quando puoi vedere dove sei stato. In questo modo, non commetti lo stesso errore due volte (o tre volte). Molti pittori usano ampiamente la linea durante il loro lavoro. Van Gogh è probabilmente l'esempio più ovvio. Ha usato un tratto di tratteggio altamente calligrafico in molti dei suoi dipinti, mentre ironicamente, in molti dei suoi disegni, ha spesso emulato gli aspetti materici delle pennellate. Come molti altri pittori, uso spesso le linee come sfogo espressivo o come modo per implicare forme sovrapposte proprio come faccio nei miei disegni. Persino un artista orientato alla massa come John Singer Sargent ha fatto ricorso a un forte uso del profilo in gran parte del suo lavoro murale. Molti muralisti dell'epoca, tra cui Kenyon Cox e, più recentemente, Dean Cornwell, hanno usato la linea per rendere le immagini più riconoscibili a distanza, e insieme a Georges Rouault nel suo lavoro a cavalletto, hanno spesso usato contorni distinti in un'emulazione dichiarata del linee di piombo che supportano le vetrate. In un certo senso, potresti persino dire che queste linee scure servono più a un colore che a un disegno; rafforzano e migliorano le tonalità all'interno. Prova a immaginare l'autoritratto di Hans Hoffmann senza le linee. Non funzionerebbe. Un artista astratto come Hoffmann non aveva paura delle linee o del disegno in generale. In effetti, alcuni dei suoi insegnamenti ruotavano attorno al disegno dal modello. Sfortunatamente, oggi molti artisti e critici denigrano la fusione di linea e massa, e discutono rumorosamente di contaminare la purezza dell'impulso pittorico con preoccupazioni. Questo mi ricorda un altro periodo sfortunato nella storia dell'arte, quando i Poussinistes, partigiani del disegno e della moderazione, e i Rubenistes, soldati di colore ed emozione, erano alla gola dell'altro. Ognuno era irremovibile a suo avviso. In effetti, un famoso insegnante e artista del movimento neoclassico, il barone Antoine-Jean Gros, si suicidò perché non era disposto a sacrificare il suo lato emotivo rubenista per onorare il suo patrono e padre artistico, Jacques-Louis David, un zelante Poussinist. Oggi, la maggior parte delle persone può apprezzare entrambi questi campi e può vedere la loro eventuale fusione nell'arte tradizionale della fine del XIX e XX secolo. Pensa a quanto potenziale è stato perso da queste guerre artistiche. La vita è troppo breve per essere scoraggiata dai dettami di un altro artista. Usa le linee quando serve ai tuoi scopi visivi e usa le masse di valore quando sono appropriate. Lascia che qualcun altro si preoccupi delle presunte regole estetiche. Il tuo compito è disegnare. Se ti attieni ad esso, sarai inarrestabile come la squadra di linea e massa. |