Nel numero di Workshop dell'inverno 2006, John A. Parks ha affrontato quello che è probabilmente l'argomento più difficile: come organizzare il colore per dipingere la natura della luce. Presentiamo un estratto dell'articolo con i consigli di Park sui principi di base dietro la pittura di figure nei paesaggi.
Parks ha ristretto il suo consiglio a 11 articoli per questo articolo:
Considera la figura nel suo contesto. In che modo il paesaggio e la figura sono legati insieme? Che cosa possono dire l'un l'altro l'ambiente e la figura? Quali forme, colori, trame o movimenti condividono?
"Nota come i movimenti orizzontali attraverso la figura sono riflessi dalle orizzontali nel paesaggio dietro", afferma Parks. "Figura e paesaggio sembrano condividere gli stessi ritmi e la stessa vita".
Crea una composizione che ritieni metterà in evidenza gli elementi che hai scelto di suscitare dalla scena. Considera attentamente la scala della figura rispetto al paesaggio e al punto di vista. Usa uno schizzo di lavaggio che puoi facilmente modificare per provare una varietà di posizionamenti e formazioni. Non esagerare con il disegno in questa fase: attenersi a forme e masse semplici.
Mescola una tavolozza completa. Non è necessario premiscelare la pittura per l'intero dipinto, ma è una buona idea creare molte possibilità con il colore utilizzando la tavolozza come luogo di esplorazione. Molti passaggi di colore sono molto sottili ed è estremamente difficile inchiodare il colore per la prima volta. Creando una varietà di colori è più probabile che tu sia preciso. È anche una buona idea esercitarsi a miscelare in "corse" o "passaggi", spostando il colore e il tono in modo incrementale per imitare il suo cambiamento attraverso una forma o una superficie.
"Nota come i verdi nel paesaggio sono tutti molto più caldi delle strisce verdi nell'ombrello", afferma Parks. "Questo crea un'interessante tensione tra il paesaggio naturale e l'oggetto creato dall'uomo."
Quando inizi a dipingere, considera le masse più grandi e i colori più saturi. Assicurati di aver almeno stabilito l'intervallo per ciascun colore abbastanza presto nella pittura. Con questo intendo che hai stabilito, ad esempio, dove si trova il rosso più luminoso o il blu più viola. Questo rende più facile tornare ai colori più sottili.
"Le ombre si ottengono qui stratificando il riscaldamento e il raffreddamento attivi", sottolinea Parks. "Nota come le luci vengono mantenute più fredde rispetto alle luci leggermente più scure."
Mentre lavori nell'immagine, cerca alternanze di temperatura all'interno delle aree: il colore tende a spostarsi da caldo a freddo e viceversa mentre la luce traccia attraverso una forma o una superficie. Seguendo questi cambiamenti e persino esagerandoli è possibile creare una forte impressione di luce.
Non aver paura di lavorare bagnato su bagnato. Non abbiate paura di spostare le cose, spazzare via le cose, semplificare, portare elementi da un'altra parte del paesaggio. Non aver paura di andare avanti anche a rischio di rovinare una parte del dipinto che ti piace. L'apprendimento va più veloce quando spingi.
"Questo dipinto ha subito molti cambiamenti e molta vernice bagnata è in superficie", afferma Parks. “Lo studente ha caldo e si raffredda nei posti giusti sulla figura e, sebbene tutti i valori non siano ancora corretti, c'è un grande senso di eccitazione proveniente dalla lotta per vedere e dipingere. Tutto è in flusso e il dipinto trasmette un'enorme quantità di vita.”
Quando la palette si sporca, fermarsi e remixare. Non c'è altro modo.
Mentre lavori, misura continuamente colori simili l'uno contro l'altro. Ad esempio, assicurati che il rosso più arancione nel dipinto sia il rosso più arancione nel soggetto e così via. Se i colori si allineano nello stesso ordine nel dipinto del soggetto, creerai luce.
Con l'intero quadro stabilito, Parks ha incoraggiato lo studente a cambiare i rossi sui due capannoni sullo sfondo. "In questo momento stanno leggendo troppo in rosso e saltando in avanti nella foto", dice l'istruttore.
Metti tutto in opera il più velocemente possibile prima ancora di considerare di impantanarti in qualche passaggio difficile. Diverse parti del dipinto si “parleranno” l'un l'altro; spesso lavorano così bene insieme da richiedere meno lavoro di quanto si pensi.
Mantieni la pennellata fresca. Lavora in piedi e tieni il pennello dietro. Questo è uno dei modi più semplici per far apparire e sentirsi meglio i dipinti e non richiede alcun talento extra! Assicurati che il pennello sia ben caricato e che la vernice si stacchi abbastanza facilmente. Se stai lavorando sodo per togliere la vernice dal pennello - strofinando sulla tela o lottando per estrarre la vernice - allora è il momento di mescolare più pigmento e ricaricare. I dipinti sembrano e si sentono meglio quando sono generosi con la vernice.
Non esprimere mai fastidio per il sole che si sposta, per il vento che sorge e bussa al cavalletto, per gli insetti che atterrano nella tua vernice, per la mancanza di tempo o per qualsiasi altra tribolazione della pittura all'aperto. Servono tutti a renderti fisicamente e spiritualmente presente sulla scena.
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